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_.creatura
CREATURA
Contemporary Latin American Culture & Art
Issue N1
esp/eng
Available Worldwide
Creatura’s magazine issue N.1 - pre orders available
@kdpresse (link in bio)
Cover by @marisol___mendez
Creatura is an annual and bilingual (ESP/ENG) print magazine exploring contemporary Latin American art and culture. Born between continents, it is a space where contemporary voices speak through images, stories, rhythms, and memories.
Creatura is a living archive of Latin American culture, created by its own creatives and its diaspora.
Design by @lateral_diseno
@marisol___mendez @andreaperez.jpg @yulissa_aranibar @misanxtropical @dni_official @_chrisvarasmatta @alexanderdiary @dom.mezcal @aguilar.bru @latessita @_xel_ha @luciano_supervielle @fedebordaberry @mirandocultura @latishlava @raulguillermoo @blindings0n @juan_brenner @eliseleonmorales @weranda10 @enea_la @marfer_guzman @so.fiasofia @veraprego
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Número 1 de la revista Creatura — preventa disponible
@kdpresse (link en bio)
Tapa por @marisol___mendez
Creatura es una revista anual y bilingüe (ESP/ENG) dedicada a explorar el arte y la cultura latinoamericana contemporánea. Nacida entre continentes, es un espacio donde las voces contemporáneas se expresan a través de imágenes, historias, ritmos y memorias.
Creatura es un archivo vivo de la cultura latinoamericana, creado por sus propios creadores y diáspora.
Diseño por @lateral_diseno
@marisol___mendez @andreaperez.jpg @yulissa_aranibar @misanxtropical @dni_official @_chrisvarasmatta @alexanderdiary @dom.mezcal @aguilar.bru @latessita @_xel_ha @luciano_supervielle @fedebordaberry @mirandocultura @latishlava @raulguillermoo @blindings0n @juan_brenner @eliseleonmorales @weranda10 @enea_la @marfer_guzman @so.fiasofia @veraprego
Peruvian designers Roberto and Paulo Ruiz, twin brothers and founders of D.N.I ( @dni_official ), speak with Andrea Perez B. ( @andreaperez.jpg ) about identity, migration, memory, and collective creation.
Born between Peru and Paris, D.N.I goes beyond fashion, becoming a visual and emotional manifesto on Peruvian and Latin American identity. Through their collections, the brothers build creative bridges between Latin America and Europe, reclaiming the region’s cultural and artisanal richness through their own perspective.
In this interview, Roberto and Paulo reflect on how their childhood in northern Peru, their migratory experience, and their bond as twins shape everything they create.
Read the full interview, in Spanish and English, in the first issue of Creatura, available via the link in bio and in select bookstores across Europe and the Americas.
Photos : @_chrisvarasmatta_
Art direction : @lialazaro
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Los diseñadores peruanos Roberto y Paulo Ruiz, hermanos gemelos y fundadores de D.N.I ( @dni_official ), conversan con Andrea Perez B. ( @andreaperez.jpg ) sobre identidad, migración, memoria y creación colectiva.
Nacido entre Perú y París, D.N.I va más allá de la moda, convirtiéndose en un manifiesto visual y emocional sobre la identidad peruana y latinoamericana. A través de sus colecciones, los hermanos construyen puentes creativos entre América Latina y Europa, reivindicando la riqueza cultural y artesanal de la región desde su propia mirada.
En esta entrevista, Roberto y Paulo reflexionan sobre cómo su infancia en el norte del Perú, su experiencia migratoria y su vínculo como gemelos moldean todo lo que crean.
Lee la entrevista completa, en español e inglés, en el primer número de Creatura, disponible en el link de la bio y en librerías seleccionadas de Europa y América.
Fotos : @_chrisvarasmatta_
Dirección de arte : @lialazaro
Peruvian designers Roberto and Paulo Ruiz, twin brothers and founders of D.N.I ( @dni_official ), speak with Andrea Perez B. ( @andreaperez.jpg ) about identity, migration, memory, and collective creation.
Born between Peru and Paris, D.N.I goes beyond fashion, becoming a visual and emotional manifesto on Peruvian and Latin American identity. Through their collections, the brothers build creative bridges between Latin America and Europe, reclaiming the region’s cultural and artisanal richness through their own perspective.
In this interview, Roberto and Paulo reflect on how their childhood in northern Peru, their migratory experience, and their bond as twins shape everything they create.
Read the full interview, in Spanish and English, in the first issue of Creatura, available via the link in bio and in select bookstores across Europe and the Americas.
Photos : @_chrisvarasmatta_
Art direction : @lialazaro
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Los diseñadores peruanos Roberto y Paulo Ruiz, hermanos gemelos y fundadores de D.N.I ( @dni_official ), conversan con Andrea Perez B. ( @andreaperez.jpg ) sobre identidad, migración, memoria y creación colectiva.
Nacido entre Perú y París, D.N.I va más allá de la moda, convirtiéndose en un manifiesto visual y emocional sobre la identidad peruana y latinoamericana. A través de sus colecciones, los hermanos construyen puentes creativos entre América Latina y Europa, reivindicando la riqueza cultural y artesanal de la región desde su propia mirada.
En esta entrevista, Roberto y Paulo reflexionan sobre cómo su infancia en el norte del Perú, su experiencia migratoria y su vínculo como gemelos moldean todo lo que crean.
Lee la entrevista completa, en español e inglés, en el primer número de Creatura, disponible en el link de la bio y en librerías seleccionadas de Europa y América.
Fotos : @_chrisvarasmatta_
Dirección de arte : @lialazaro
Peruvian designers Roberto and Paulo Ruiz, twin brothers and founders of D.N.I ( @dni_official ), speak with Andrea Perez B. ( @andreaperez.jpg ) about identity, migration, memory, and collective creation.
Born between Peru and Paris, D.N.I goes beyond fashion, becoming a visual and emotional manifesto on Peruvian and Latin American identity. Through their collections, the brothers build creative bridges between Latin America and Europe, reclaiming the region’s cultural and artisanal richness through their own perspective.
In this interview, Roberto and Paulo reflect on how their childhood in northern Peru, their migratory experience, and their bond as twins shape everything they create.
Read the full interview, in Spanish and English, in the first issue of Creatura, available via the link in bio and in select bookstores across Europe and the Americas.
Photos : @_chrisvarasmatta_
Art direction : @lialazaro
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Los diseñadores peruanos Roberto y Paulo Ruiz, hermanos gemelos y fundadores de D.N.I ( @dni_official ), conversan con Andrea Perez B. ( @andreaperez.jpg ) sobre identidad, migración, memoria y creación colectiva.
Nacido entre Perú y París, D.N.I va más allá de la moda, convirtiéndose en un manifiesto visual y emocional sobre la identidad peruana y latinoamericana. A través de sus colecciones, los hermanos construyen puentes creativos entre América Latina y Europa, reivindicando la riqueza cultural y artesanal de la región desde su propia mirada.
En esta entrevista, Roberto y Paulo reflexionan sobre cómo su infancia en el norte del Perú, su experiencia migratoria y su vínculo como gemelos moldean todo lo que crean.
Lee la entrevista completa, en español e inglés, en el primer número de Creatura, disponible en el link de la bio y en librerías seleccionadas de Europa y América.
Fotos : @_chrisvarasmatta_
Dirección de arte : @lialazaro
Peruvian designers Roberto and Paulo Ruiz, twin brothers and founders of D.N.I ( @dni_official ), speak with Andrea Perez B. ( @andreaperez.jpg ) about identity, migration, memory, and collective creation.
Born between Peru and Paris, D.N.I goes beyond fashion, becoming a visual and emotional manifesto on Peruvian and Latin American identity. Through their collections, the brothers build creative bridges between Latin America and Europe, reclaiming the region’s cultural and artisanal richness through their own perspective.
In this interview, Roberto and Paulo reflect on how their childhood in northern Peru, their migratory experience, and their bond as twins shape everything they create.
Read the full interview, in Spanish and English, in the first issue of Creatura, available via the link in bio and in select bookstores across Europe and the Americas.
Photos : @_chrisvarasmatta_
Art direction : @lialazaro
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Los diseñadores peruanos Roberto y Paulo Ruiz, hermanos gemelos y fundadores de D.N.I ( @dni_official ), conversan con Andrea Perez B. ( @andreaperez.jpg ) sobre identidad, migración, memoria y creación colectiva.
Nacido entre Perú y París, D.N.I va más allá de la moda, convirtiéndose en un manifiesto visual y emocional sobre la identidad peruana y latinoamericana. A través de sus colecciones, los hermanos construyen puentes creativos entre América Latina y Europa, reivindicando la riqueza cultural y artesanal de la región desde su propia mirada.
En esta entrevista, Roberto y Paulo reflexionan sobre cómo su infancia en el norte del Perú, su experiencia migratoria y su vínculo como gemelos moldean todo lo que crean.
Lee la entrevista completa, en español e inglés, en el primer número de Creatura, disponible en el link de la bio y en librerías seleccionadas de Europa y América.
Fotos : @_chrisvarasmatta_
Dirección de arte : @lialazaro
Peruvian designers Roberto and Paulo Ruiz, twin brothers and founders of D.N.I ( @dni_official ), speak with Andrea Perez B. ( @andreaperez.jpg ) about identity, migration, memory, and collective creation.
Born between Peru and Paris, D.N.I goes beyond fashion, becoming a visual and emotional manifesto on Peruvian and Latin American identity. Through their collections, the brothers build creative bridges between Latin America and Europe, reclaiming the region’s cultural and artisanal richness through their own perspective.
In this interview, Roberto and Paulo reflect on how their childhood in northern Peru, their migratory experience, and their bond as twins shape everything they create.
Read the full interview, in Spanish and English, in the first issue of Creatura, available via the link in bio and in select bookstores across Europe and the Americas.
Photos : @_chrisvarasmatta_
Art direction : @lialazaro
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Los diseñadores peruanos Roberto y Paulo Ruiz, hermanos gemelos y fundadores de D.N.I ( @dni_official ), conversan con Andrea Perez B. ( @andreaperez.jpg ) sobre identidad, migración, memoria y creación colectiva.
Nacido entre Perú y París, D.N.I va más allá de la moda, convirtiéndose en un manifiesto visual y emocional sobre la identidad peruana y latinoamericana. A través de sus colecciones, los hermanos construyen puentes creativos entre América Latina y Europa, reivindicando la riqueza cultural y artesanal de la región desde su propia mirada.
En esta entrevista, Roberto y Paulo reflexionan sobre cómo su infancia en el norte del Perú, su experiencia migratoria y su vínculo como gemelos moldean todo lo que crean.
Lee la entrevista completa, en español e inglés, en el primer número de Creatura, disponible en el link de la bio y en librerías seleccionadas de Europa y América.
Fotos : @_chrisvarasmatta_
Dirección de arte : @lialazaro
Chilean photographer and director Ignacio Gutiérrez ( @ignaciogutierrezi ) presents El gol más lindo que yo vi (The Most Beautiful Goal I’ve Ever Seen), a project that explores the collective memory and emotional power of football within Argentine identity.
Filmed on the streets of Buenos Aires, the work follows eleven people as they recount and interpret the most important goal of their lives. In this act, memory is transformed into performance, and a sporting moment becomes something intimate, physical, and profoundly personal.
Through these voices, movements, and recreations in public spaces, the project reveals how football can transcend the match to become a vehicle for joy, nostalgia, belonging, and shared history.
With a vision that combines visual precision, spontaneity, and narrative sensitivity, Gutiérrez transforms the everyday city into a stage where emotion comes alive once more.
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El fotógrafo y director chileno Ignacio Gutiérrez ( @ignaciogutierrezi ) presenta El gol más lindo que yo vi, un proyecto que explora la memoria colectiva y la fuerza emocional del fútbol dentro de la identidad argentina.
Filmado en las calles de Buenos Aires, el trabajo sigue a once personas que relatan y actúan el gol más importante de sus vidas. En ese gesto, el recuerdo se transforma en performance y un momento deportivo se vuelve algo íntimo, corporal y profundamente personal.
A través de esas voces, movimientos y recreaciones en el espacio público, el proyecto revela cómo el fútbol puede trascender el partido para convertirse en vehículo de alegría, nostalgia, pertenencia e historia compartida.
Con una mirada que combina precisión visual, espontaneidad y sensibilidad narrativa, Gutiérrez convierte la ciudad cotidiana en un escenario donde la emoción vuelve a cobrar vida.
Chilean photographer and director Ignacio Gutiérrez ( @ignaciogutierrezi ) presents El gol más lindo que yo vi (The Most Beautiful Goal I’ve Ever Seen), a project that explores the collective memory and emotional power of football within Argentine identity.
Filmed on the streets of Buenos Aires, the work follows eleven people as they recount and interpret the most important goal of their lives. In this act, memory is transformed into performance, and a sporting moment becomes something intimate, physical, and profoundly personal.
Through these voices, movements, and recreations in public spaces, the project reveals how football can transcend the match to become a vehicle for joy, nostalgia, belonging, and shared history.
With a vision that combines visual precision, spontaneity, and narrative sensitivity, Gutiérrez transforms the everyday city into a stage where emotion comes alive once more.
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El fotógrafo y director chileno Ignacio Gutiérrez ( @ignaciogutierrezi ) presenta El gol más lindo que yo vi, un proyecto que explora la memoria colectiva y la fuerza emocional del fútbol dentro de la identidad argentina.
Filmado en las calles de Buenos Aires, el trabajo sigue a once personas que relatan y actúan el gol más importante de sus vidas. En ese gesto, el recuerdo se transforma en performance y un momento deportivo se vuelve algo íntimo, corporal y profundamente personal.
A través de esas voces, movimientos y recreaciones en el espacio público, el proyecto revela cómo el fútbol puede trascender el partido para convertirse en vehículo de alegría, nostalgia, pertenencia e historia compartida.
Con una mirada que combina precisión visual, espontaneidad y sensibilidad narrativa, Gutiérrez convierte la ciudad cotidiana en un escenario donde la emoción vuelve a cobrar vida.
Chilean photographer and director Ignacio Gutiérrez ( @ignaciogutierrezi ) presents El gol más lindo que yo vi (The Most Beautiful Goal I’ve Ever Seen), a project that explores the collective memory and emotional power of football within Argentine identity.
Filmed on the streets of Buenos Aires, the work follows eleven people as they recount and interpret the most important goal of their lives. In this act, memory is transformed into performance, and a sporting moment becomes something intimate, physical, and profoundly personal.
Through these voices, movements, and recreations in public spaces, the project reveals how football can transcend the match to become a vehicle for joy, nostalgia, belonging, and shared history.
With a vision that combines visual precision, spontaneity, and narrative sensitivity, Gutiérrez transforms the everyday city into a stage where emotion comes alive once more.
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El fotógrafo y director chileno Ignacio Gutiérrez ( @ignaciogutierrezi ) presenta El gol más lindo que yo vi, un proyecto que explora la memoria colectiva y la fuerza emocional del fútbol dentro de la identidad argentina.
Filmado en las calles de Buenos Aires, el trabajo sigue a once personas que relatan y actúan el gol más importante de sus vidas. En ese gesto, el recuerdo se transforma en performance y un momento deportivo se vuelve algo íntimo, corporal y profundamente personal.
A través de esas voces, movimientos y recreaciones en el espacio público, el proyecto revela cómo el fútbol puede trascender el partido para convertirse en vehículo de alegría, nostalgia, pertenencia e historia compartida.
Con una mirada que combina precisión visual, espontaneidad y sensibilidad narrativa, Gutiérrez convierte la ciudad cotidiana en un escenario donde la emoción vuelve a cobrar vida.
Chilean photographer and director Ignacio Gutiérrez ( @ignaciogutierrezi ) presents El gol más lindo que yo vi (The Most Beautiful Goal I’ve Ever Seen), a project that explores the collective memory and emotional power of football within Argentine identity.
Filmed on the streets of Buenos Aires, the work follows eleven people as they recount and interpret the most important goal of their lives. In this act, memory is transformed into performance, and a sporting moment becomes something intimate, physical, and profoundly personal.
Through these voices, movements, and recreations in public spaces, the project reveals how football can transcend the match to become a vehicle for joy, nostalgia, belonging, and shared history.
With a vision that combines visual precision, spontaneity, and narrative sensitivity, Gutiérrez transforms the everyday city into a stage where emotion comes alive once more.
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El fotógrafo y director chileno Ignacio Gutiérrez ( @ignaciogutierrezi ) presenta El gol más lindo que yo vi, un proyecto que explora la memoria colectiva y la fuerza emocional del fútbol dentro de la identidad argentina.
Filmado en las calles de Buenos Aires, el trabajo sigue a once personas que relatan y actúan el gol más importante de sus vidas. En ese gesto, el recuerdo se transforma en performance y un momento deportivo se vuelve algo íntimo, corporal y profundamente personal.
A través de esas voces, movimientos y recreaciones en el espacio público, el proyecto revela cómo el fútbol puede trascender el partido para convertirse en vehículo de alegría, nostalgia, pertenencia e historia compartida.
Con una mirada que combina precisión visual, espontaneidad y sensibilidad narrativa, Gutiérrez convierte la ciudad cotidiana en un escenario donde la emoción vuelve a cobrar vida.
Chilean photographer and director Ignacio Gutiérrez ( @ignaciogutierrezi ) presents El gol más lindo que yo vi (The Most Beautiful Goal I’ve Ever Seen), a project that explores the collective memory and emotional power of football within Argentine identity.
Filmed on the streets of Buenos Aires, the work follows eleven people as they recount and interpret the most important goal of their lives. In this act, memory is transformed into performance, and a sporting moment becomes something intimate, physical, and profoundly personal.
Through these voices, movements, and recreations in public spaces, the project reveals how football can transcend the match to become a vehicle for joy, nostalgia, belonging, and shared history.
With a vision that combines visual precision, spontaneity, and narrative sensitivity, Gutiérrez transforms the everyday city into a stage where emotion comes alive once more.
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El fotógrafo y director chileno Ignacio Gutiérrez ( @ignaciogutierrezi ) presenta El gol más lindo que yo vi, un proyecto que explora la memoria colectiva y la fuerza emocional del fútbol dentro de la identidad argentina.
Filmado en las calles de Buenos Aires, el trabajo sigue a once personas que relatan y actúan el gol más importante de sus vidas. En ese gesto, el recuerdo se transforma en performance y un momento deportivo se vuelve algo íntimo, corporal y profundamente personal.
A través de esas voces, movimientos y recreaciones en el espacio público, el proyecto revela cómo el fútbol puede trascender el partido para convertirse en vehículo de alegría, nostalgia, pertenencia e historia compartida.
Con una mirada que combina precisión visual, espontaneidad y sensibilidad narrativa, Gutiérrez convierte la ciudad cotidiana en un escenario donde la emoción vuelve a cobrar vida.
Chilean photographer and director Ignacio Gutiérrez ( @ignaciogutierrezi ) presents El gol más lindo que yo vi (The Most Beautiful Goal I’ve Ever Seen), a project that explores the collective memory and emotional power of football within Argentine identity.
Filmed on the streets of Buenos Aires, the work follows eleven people as they recount and interpret the most important goal of their lives. In this act, memory is transformed into performance, and a sporting moment becomes something intimate, physical, and profoundly personal.
Through these voices, movements, and recreations in public spaces, the project reveals how football can transcend the match to become a vehicle for joy, nostalgia, belonging, and shared history.
With a vision that combines visual precision, spontaneity, and narrative sensitivity, Gutiérrez transforms the everyday city into a stage where emotion comes alive once more.
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El fotógrafo y director chileno Ignacio Gutiérrez ( @ignaciogutierrezi ) presenta El gol más lindo que yo vi, un proyecto que explora la memoria colectiva y la fuerza emocional del fútbol dentro de la identidad argentina.
Filmado en las calles de Buenos Aires, el trabajo sigue a once personas que relatan y actúan el gol más importante de sus vidas. En ese gesto, el recuerdo se transforma en performance y un momento deportivo se vuelve algo íntimo, corporal y profundamente personal.
A través de esas voces, movimientos y recreaciones en el espacio público, el proyecto revela cómo el fútbol puede trascender el partido para convertirse en vehículo de alegría, nostalgia, pertenencia e historia compartida.
Con una mirada que combina precisión visual, espontaneidad y sensibilidad narrativa, Gutiérrez convierte la ciudad cotidiana en un escenario donde la emoción vuelve a cobrar vida.
Chilean photographer and director Ignacio Gutiérrez ( @ignaciogutierrezi ) presents El gol más lindo que yo vi (The Most Beautiful Goal I’ve Ever Seen), a project that explores the collective memory and emotional power of football within Argentine identity.
Filmed on the streets of Buenos Aires, the work follows eleven people as they recount and interpret the most important goal of their lives. In this act, memory is transformed into performance, and a sporting moment becomes something intimate, physical, and profoundly personal.
Through these voices, movements, and recreations in public spaces, the project reveals how football can transcend the match to become a vehicle for joy, nostalgia, belonging, and shared history.
With a vision that combines visual precision, spontaneity, and narrative sensitivity, Gutiérrez transforms the everyday city into a stage where emotion comes alive once more.
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El fotógrafo y director chileno Ignacio Gutiérrez ( @ignaciogutierrezi ) presenta El gol más lindo que yo vi, un proyecto que explora la memoria colectiva y la fuerza emocional del fútbol dentro de la identidad argentina.
Filmado en las calles de Buenos Aires, el trabajo sigue a once personas que relatan y actúan el gol más importante de sus vidas. En ese gesto, el recuerdo se transforma en performance y un momento deportivo se vuelve algo íntimo, corporal y profundamente personal.
A través de esas voces, movimientos y recreaciones en el espacio público, el proyecto revela cómo el fútbol puede trascender el partido para convertirse en vehículo de alegría, nostalgia, pertenencia e historia compartida.
Con una mirada que combina precisión visual, espontaneidad y sensibilidad narrativa, Gutiérrez convierte la ciudad cotidiana en un escenario donde la emoción vuelve a cobrar vida.
Chilean photographer and director Ignacio Gutiérrez ( @ignaciogutierrezi ) presents El gol más lindo que yo vi (The Most Beautiful Goal I’ve Ever Seen), a project that explores the collective memory and emotional power of football within Argentine identity.
Filmed on the streets of Buenos Aires, the work follows eleven people as they recount and interpret the most important goal of their lives. In this act, memory is transformed into performance, and a sporting moment becomes something intimate, physical, and profoundly personal.
Through these voices, movements, and recreations in public spaces, the project reveals how football can transcend the match to become a vehicle for joy, nostalgia, belonging, and shared history.
With a vision that combines visual precision, spontaneity, and narrative sensitivity, Gutiérrez transforms the everyday city into a stage where emotion comes alive once more.
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El fotógrafo y director chileno Ignacio Gutiérrez ( @ignaciogutierrezi ) presenta El gol más lindo que yo vi, un proyecto que explora la memoria colectiva y la fuerza emocional del fútbol dentro de la identidad argentina.
Filmado en las calles de Buenos Aires, el trabajo sigue a once personas que relatan y actúan el gol más importante de sus vidas. En ese gesto, el recuerdo se transforma en performance y un momento deportivo se vuelve algo íntimo, corporal y profundamente personal.
A través de esas voces, movimientos y recreaciones en el espacio público, el proyecto revela cómo el fútbol puede trascender el partido para convertirse en vehículo de alegría, nostalgia, pertenencia e historia compartida.
Con una mirada que combina precisión visual, espontaneidad y sensibilidad narrativa, Gutiérrez convierte la ciudad cotidiana en un escenario donde la emoción vuelve a cobrar vida.
Chilean photographer and director Ignacio Gutiérrez ( @ignaciogutierrezi ) presents El gol más lindo que yo vi (The Most Beautiful Goal I’ve Ever Seen), a project that explores the collective memory and emotional power of football within Argentine identity.
Filmed on the streets of Buenos Aires, the work follows eleven people as they recount and interpret the most important goal of their lives. In this act, memory is transformed into performance, and a sporting moment becomes something intimate, physical, and profoundly personal.
Through these voices, movements, and recreations in public spaces, the project reveals how football can transcend the match to become a vehicle for joy, nostalgia, belonging, and shared history.
With a vision that combines visual precision, spontaneity, and narrative sensitivity, Gutiérrez transforms the everyday city into a stage where emotion comes alive once more.
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El fotógrafo y director chileno Ignacio Gutiérrez ( @ignaciogutierrezi ) presenta El gol más lindo que yo vi, un proyecto que explora la memoria colectiva y la fuerza emocional del fútbol dentro de la identidad argentina.
Filmado en las calles de Buenos Aires, el trabajo sigue a once personas que relatan y actúan el gol más importante de sus vidas. En ese gesto, el recuerdo se transforma en performance y un momento deportivo se vuelve algo íntimo, corporal y profundamente personal.
A través de esas voces, movimientos y recreaciones en el espacio público, el proyecto revela cómo el fútbol puede trascender el partido para convertirse en vehículo de alegría, nostalgia, pertenencia e historia compartida.
Con una mirada que combina precisión visual, espontaneidad y sensibilidad narrativa, Gutiérrez convierte la ciudad cotidiana en un escenario donde la emoción vuelve a cobrar vida.
Chilean photographer and director Ignacio Gutiérrez ( @ignaciogutierrezi ) presents El gol más lindo que yo vi (The Most Beautiful Goal I’ve Ever Seen), a project that explores the collective memory and emotional power of football within Argentine identity.
Filmed on the streets of Buenos Aires, the work follows eleven people as they recount and interpret the most important goal of their lives. In this act, memory is transformed into performance, and a sporting moment becomes something intimate, physical, and profoundly personal.
Through these voices, movements, and recreations in public spaces, the project reveals how football can transcend the match to become a vehicle for joy, nostalgia, belonging, and shared history.
With a vision that combines visual precision, spontaneity, and narrative sensitivity, Gutiérrez transforms the everyday city into a stage where emotion comes alive once more.
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El fotógrafo y director chileno Ignacio Gutiérrez ( @ignaciogutierrezi ) presenta El gol más lindo que yo vi, un proyecto que explora la memoria colectiva y la fuerza emocional del fútbol dentro de la identidad argentina.
Filmado en las calles de Buenos Aires, el trabajo sigue a once personas que relatan y actúan el gol más importante de sus vidas. En ese gesto, el recuerdo se transforma en performance y un momento deportivo se vuelve algo íntimo, corporal y profundamente personal.
A través de esas voces, movimientos y recreaciones en el espacio público, el proyecto revela cómo el fútbol puede trascender el partido para convertirse en vehículo de alegría, nostalgia, pertenencia e historia compartida.
Con una mirada que combina precisión visual, espontaneidad y sensibilidad narrativa, Gutiérrez convierte la ciudad cotidiana en un escenario donde la emoción vuelve a cobrar vida.
Chilean photographer and director Ignacio Gutiérrez ( @ignaciogutierrezi ) presents El gol más lindo que yo vi (The Most Beautiful Goal I’ve Ever Seen), a project that explores the collective memory and emotional power of football within Argentine identity.
Filmed on the streets of Buenos Aires, the work follows eleven people as they recount and interpret the most important goal of their lives. In this act, memory is transformed into performance, and a sporting moment becomes something intimate, physical, and profoundly personal.
Through these voices, movements, and recreations in public spaces, the project reveals how football can transcend the match to become a vehicle for joy, nostalgia, belonging, and shared history.
With a vision that combines visual precision, spontaneity, and narrative sensitivity, Gutiérrez transforms the everyday city into a stage where emotion comes alive once more.
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El fotógrafo y director chileno Ignacio Gutiérrez ( @ignaciogutierrezi ) presenta El gol más lindo que yo vi, un proyecto que explora la memoria colectiva y la fuerza emocional del fútbol dentro de la identidad argentina.
Filmado en las calles de Buenos Aires, el trabajo sigue a once personas que relatan y actúan el gol más importante de sus vidas. En ese gesto, el recuerdo se transforma en performance y un momento deportivo se vuelve algo íntimo, corporal y profundamente personal.
A través de esas voces, movimientos y recreaciones en el espacio público, el proyecto revela cómo el fútbol puede trascender el partido para convertirse en vehículo de alegría, nostalgia, pertenencia e historia compartida.
Con una mirada que combina precisión visual, espontaneidad y sensibilidad narrativa, Gutiérrez convierte la ciudad cotidiana en un escenario donde la emoción vuelve a cobrar vida.
Venezuelan photographer Andrés Pérez ( @le_veneque ) presents Dead Homeland, a visual research project examining how beauty and strength were transformed into national ideals in Venezuela during the second half of the twentieth century.
Drawing from personal memories: Miss Venezuela pageants and televised military parades, Pérez confronts two central figures of the national imaginary: the beauty queen and the soldier. Trained bodies, uniforms, catwalks, and rituals emerge as aesthetics of control that shape desire, gender, and identity.
Through press and television archives, reworked political propaganda, and queer staged photography, the artist challenges a cisheteronormative narrative that historically erased everything that deviated from the norm.
Far from a nostalgic reading, Dead Homeland revisits patriotic symbols to open space for other possible memories: more uncomfortable, more diverse, and more free.
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El fotógrafo venezolano Andrés Pérez ( @le_veneque ) presenta Dead Homeland, un proyecto de investigación visual que examina cómo la belleza y la fuerza fueron convertidas en ideales nacionales en la Venezuela de la segunda mitad del siglo XX.
Partiendo de recuerdos personales: los concursos de Miss Venezuela y los desfiles militares televisados,Pérez confronta dos figuras centrales del imaginario nacional: la reina de belleza y el soldado. Cuerpos entrenados, uniformes, pasarelas y rituales aparecen como estéticas de control que moldean deseo, género e identidad.
A través de archivos de prensa y televisión, propaganda política intervenida y fotografías escenificadas desde una mirada queer, el artista cuestiona una narrativa cisheteronormativa que históricamente invisibilizó todo aquello que se apartaba de la norma.
Lejos de una lectura nostálgica, Dead Homeland revisa los símbolos patrios para abrir otras memorias posibles: más incómodas, más diversas y más libres.
Venezuelan photographer Andrés Pérez ( @le_veneque ) presents Dead Homeland, a visual research project examining how beauty and strength were transformed into national ideals in Venezuela during the second half of the twentieth century.
Drawing from personal memories: Miss Venezuela pageants and televised military parades, Pérez confronts two central figures of the national imaginary: the beauty queen and the soldier. Trained bodies, uniforms, catwalks, and rituals emerge as aesthetics of control that shape desire, gender, and identity.
Through press and television archives, reworked political propaganda, and queer staged photography, the artist challenges a cisheteronormative narrative that historically erased everything that deviated from the norm.
Far from a nostalgic reading, Dead Homeland revisits patriotic symbols to open space for other possible memories: more uncomfortable, more diverse, and more free.
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El fotógrafo venezolano Andrés Pérez ( @le_veneque ) presenta Dead Homeland, un proyecto de investigación visual que examina cómo la belleza y la fuerza fueron convertidas en ideales nacionales en la Venezuela de la segunda mitad del siglo XX.
Partiendo de recuerdos personales: los concursos de Miss Venezuela y los desfiles militares televisados,Pérez confronta dos figuras centrales del imaginario nacional: la reina de belleza y el soldado. Cuerpos entrenados, uniformes, pasarelas y rituales aparecen como estéticas de control que moldean deseo, género e identidad.
A través de archivos de prensa y televisión, propaganda política intervenida y fotografías escenificadas desde una mirada queer, el artista cuestiona una narrativa cisheteronormativa que históricamente invisibilizó todo aquello que se apartaba de la norma.
Lejos de una lectura nostálgica, Dead Homeland revisa los símbolos patrios para abrir otras memorias posibles: más incómodas, más diversas y más libres.
Venezuelan photographer Andrés Pérez ( @le_veneque ) presents Dead Homeland, a visual research project examining how beauty and strength were transformed into national ideals in Venezuela during the second half of the twentieth century.
Drawing from personal memories: Miss Venezuela pageants and televised military parades, Pérez confronts two central figures of the national imaginary: the beauty queen and the soldier. Trained bodies, uniforms, catwalks, and rituals emerge as aesthetics of control that shape desire, gender, and identity.
Through press and television archives, reworked political propaganda, and queer staged photography, the artist challenges a cisheteronormative narrative that historically erased everything that deviated from the norm.
Far from a nostalgic reading, Dead Homeland revisits patriotic symbols to open space for other possible memories: more uncomfortable, more diverse, and more free.
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El fotógrafo venezolano Andrés Pérez ( @le_veneque ) presenta Dead Homeland, un proyecto de investigación visual que examina cómo la belleza y la fuerza fueron convertidas en ideales nacionales en la Venezuela de la segunda mitad del siglo XX.
Partiendo de recuerdos personales: los concursos de Miss Venezuela y los desfiles militares televisados,Pérez confronta dos figuras centrales del imaginario nacional: la reina de belleza y el soldado. Cuerpos entrenados, uniformes, pasarelas y rituales aparecen como estéticas de control que moldean deseo, género e identidad.
A través de archivos de prensa y televisión, propaganda política intervenida y fotografías escenificadas desde una mirada queer, el artista cuestiona una narrativa cisheteronormativa que históricamente invisibilizó todo aquello que se apartaba de la norma.
Lejos de una lectura nostálgica, Dead Homeland revisa los símbolos patrios para abrir otras memorias posibles: más incómodas, más diversas y más libres.
Venezuelan photographer Andrés Pérez ( @le_veneque ) presents Dead Homeland, a visual research project examining how beauty and strength were transformed into national ideals in Venezuela during the second half of the twentieth century.
Drawing from personal memories: Miss Venezuela pageants and televised military parades, Pérez confronts two central figures of the national imaginary: the beauty queen and the soldier. Trained bodies, uniforms, catwalks, and rituals emerge as aesthetics of control that shape desire, gender, and identity.
Through press and television archives, reworked political propaganda, and queer staged photography, the artist challenges a cisheteronormative narrative that historically erased everything that deviated from the norm.
Far from a nostalgic reading, Dead Homeland revisits patriotic symbols to open space for other possible memories: more uncomfortable, more diverse, and more free.
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El fotógrafo venezolano Andrés Pérez ( @le_veneque ) presenta Dead Homeland, un proyecto de investigación visual que examina cómo la belleza y la fuerza fueron convertidas en ideales nacionales en la Venezuela de la segunda mitad del siglo XX.
Partiendo de recuerdos personales: los concursos de Miss Venezuela y los desfiles militares televisados,Pérez confronta dos figuras centrales del imaginario nacional: la reina de belleza y el soldado. Cuerpos entrenados, uniformes, pasarelas y rituales aparecen como estéticas de control que moldean deseo, género e identidad.
A través de archivos de prensa y televisión, propaganda política intervenida y fotografías escenificadas desde una mirada queer, el artista cuestiona una narrativa cisheteronormativa que históricamente invisibilizó todo aquello que se apartaba de la norma.
Lejos de una lectura nostálgica, Dead Homeland revisa los símbolos patrios para abrir otras memorias posibles: más incómodas, más diversas y más libres.
Venezuelan photographer Andrés Pérez ( @le_veneque ) presents Dead Homeland, a visual research project examining how beauty and strength were transformed into national ideals in Venezuela during the second half of the twentieth century.
Drawing from personal memories: Miss Venezuela pageants and televised military parades, Pérez confronts two central figures of the national imaginary: the beauty queen and the soldier. Trained bodies, uniforms, catwalks, and rituals emerge as aesthetics of control that shape desire, gender, and identity.
Through press and television archives, reworked political propaganda, and queer staged photography, the artist challenges a cisheteronormative narrative that historically erased everything that deviated from the norm.
Far from a nostalgic reading, Dead Homeland revisits patriotic symbols to open space for other possible memories: more uncomfortable, more diverse, and more free.
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El fotógrafo venezolano Andrés Pérez ( @le_veneque ) presenta Dead Homeland, un proyecto de investigación visual que examina cómo la belleza y la fuerza fueron convertidas en ideales nacionales en la Venezuela de la segunda mitad del siglo XX.
Partiendo de recuerdos personales: los concursos de Miss Venezuela y los desfiles militares televisados,Pérez confronta dos figuras centrales del imaginario nacional: la reina de belleza y el soldado. Cuerpos entrenados, uniformes, pasarelas y rituales aparecen como estéticas de control que moldean deseo, género e identidad.
A través de archivos de prensa y televisión, propaganda política intervenida y fotografías escenificadas desde una mirada queer, el artista cuestiona una narrativa cisheteronormativa que históricamente invisibilizó todo aquello que se apartaba de la norma.
Lejos de una lectura nostálgica, Dead Homeland revisa los símbolos patrios para abrir otras memorias posibles: más incómodas, más diversas y más libres.
Venezuelan photographer Andrés Pérez ( @le_veneque ) presents Dead Homeland, a visual research project examining how beauty and strength were transformed into national ideals in Venezuela during the second half of the twentieth century.
Drawing from personal memories: Miss Venezuela pageants and televised military parades, Pérez confronts two central figures of the national imaginary: the beauty queen and the soldier. Trained bodies, uniforms, catwalks, and rituals emerge as aesthetics of control that shape desire, gender, and identity.
Through press and television archives, reworked political propaganda, and queer staged photography, the artist challenges a cisheteronormative narrative that historically erased everything that deviated from the norm.
Far from a nostalgic reading, Dead Homeland revisits patriotic symbols to open space for other possible memories: more uncomfortable, more diverse, and more free.
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El fotógrafo venezolano Andrés Pérez ( @le_veneque ) presenta Dead Homeland, un proyecto de investigación visual que examina cómo la belleza y la fuerza fueron convertidas en ideales nacionales en la Venezuela de la segunda mitad del siglo XX.
Partiendo de recuerdos personales: los concursos de Miss Venezuela y los desfiles militares televisados,Pérez confronta dos figuras centrales del imaginario nacional: la reina de belleza y el soldado. Cuerpos entrenados, uniformes, pasarelas y rituales aparecen como estéticas de control que moldean deseo, género e identidad.
A través de archivos de prensa y televisión, propaganda política intervenida y fotografías escenificadas desde una mirada queer, el artista cuestiona una narrativa cisheteronormativa que históricamente invisibilizó todo aquello que se apartaba de la norma.
Lejos de una lectura nostálgica, Dead Homeland revisa los símbolos patrios para abrir otras memorias posibles: más incómodas, más diversas y más libres.
Venezuelan photographer Andrés Pérez ( @le_veneque ) presents Dead Homeland, a visual research project examining how beauty and strength were transformed into national ideals in Venezuela during the second half of the twentieth century.
Drawing from personal memories: Miss Venezuela pageants and televised military parades, Pérez confronts two central figures of the national imaginary: the beauty queen and the soldier. Trained bodies, uniforms, catwalks, and rituals emerge as aesthetics of control that shape desire, gender, and identity.
Through press and television archives, reworked political propaganda, and queer staged photography, the artist challenges a cisheteronormative narrative that historically erased everything that deviated from the norm.
Far from a nostalgic reading, Dead Homeland revisits patriotic symbols to open space for other possible memories: more uncomfortable, more diverse, and more free.
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El fotógrafo venezolano Andrés Pérez ( @le_veneque ) presenta Dead Homeland, un proyecto de investigación visual que examina cómo la belleza y la fuerza fueron convertidas en ideales nacionales en la Venezuela de la segunda mitad del siglo XX.
Partiendo de recuerdos personales: los concursos de Miss Venezuela y los desfiles militares televisados,Pérez confronta dos figuras centrales del imaginario nacional: la reina de belleza y el soldado. Cuerpos entrenados, uniformes, pasarelas y rituales aparecen como estéticas de control que moldean deseo, género e identidad.
A través de archivos de prensa y televisión, propaganda política intervenida y fotografías escenificadas desde una mirada queer, el artista cuestiona una narrativa cisheteronormativa que históricamente invisibilizó todo aquello que se apartaba de la norma.
Lejos de una lectura nostálgica, Dead Homeland revisa los símbolos patrios para abrir otras memorias posibles: más incómodas, más diversas y más libres.
Venezuelan photographer Andrés Pérez ( @le_veneque ) presents Dead Homeland, a visual research project examining how beauty and strength were transformed into national ideals in Venezuela during the second half of the twentieth century.
Drawing from personal memories: Miss Venezuela pageants and televised military parades, Pérez confronts two central figures of the national imaginary: the beauty queen and the soldier. Trained bodies, uniforms, catwalks, and rituals emerge as aesthetics of control that shape desire, gender, and identity.
Through press and television archives, reworked political propaganda, and queer staged photography, the artist challenges a cisheteronormative narrative that historically erased everything that deviated from the norm.
Far from a nostalgic reading, Dead Homeland revisits patriotic symbols to open space for other possible memories: more uncomfortable, more diverse, and more free.
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El fotógrafo venezolano Andrés Pérez ( @le_veneque ) presenta Dead Homeland, un proyecto de investigación visual que examina cómo la belleza y la fuerza fueron convertidas en ideales nacionales en la Venezuela de la segunda mitad del siglo XX.
Partiendo de recuerdos personales: los concursos de Miss Venezuela y los desfiles militares televisados,Pérez confronta dos figuras centrales del imaginario nacional: la reina de belleza y el soldado. Cuerpos entrenados, uniformes, pasarelas y rituales aparecen como estéticas de control que moldean deseo, género e identidad.
A través de archivos de prensa y televisión, propaganda política intervenida y fotografías escenificadas desde una mirada queer, el artista cuestiona una narrativa cisheteronormativa que históricamente invisibilizó todo aquello que se apartaba de la norma.
Lejos de una lectura nostálgica, Dead Homeland revisa los símbolos patrios para abrir otras memorias posibles: más incómodas, más diversas y más libres.
Venezuelan photographer Andrés Pérez ( @le_veneque ) presents Dead Homeland, a visual research project examining how beauty and strength were transformed into national ideals in Venezuela during the second half of the twentieth century.
Drawing from personal memories: Miss Venezuela pageants and televised military parades, Pérez confronts two central figures of the national imaginary: the beauty queen and the soldier. Trained bodies, uniforms, catwalks, and rituals emerge as aesthetics of control that shape desire, gender, and identity.
Through press and television archives, reworked political propaganda, and queer staged photography, the artist challenges a cisheteronormative narrative that historically erased everything that deviated from the norm.
Far from a nostalgic reading, Dead Homeland revisits patriotic symbols to open space for other possible memories: more uncomfortable, more diverse, and more free.
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El fotógrafo venezolano Andrés Pérez ( @le_veneque ) presenta Dead Homeland, un proyecto de investigación visual que examina cómo la belleza y la fuerza fueron convertidas en ideales nacionales en la Venezuela de la segunda mitad del siglo XX.
Partiendo de recuerdos personales: los concursos de Miss Venezuela y los desfiles militares televisados,Pérez confronta dos figuras centrales del imaginario nacional: la reina de belleza y el soldado. Cuerpos entrenados, uniformes, pasarelas y rituales aparecen como estéticas de control que moldean deseo, género e identidad.
A través de archivos de prensa y televisión, propaganda política intervenida y fotografías escenificadas desde una mirada queer, el artista cuestiona una narrativa cisheteronormativa que históricamente invisibilizó todo aquello que se apartaba de la norma.
Lejos de una lectura nostálgica, Dead Homeland revisa los símbolos patrios para abrir otras memorias posibles: más incómodas, más diversas y más libres.
Venezuelan photographer Andrés Pérez ( @le_veneque ) presents Dead Homeland, a visual research project examining how beauty and strength were transformed into national ideals in Venezuela during the second half of the twentieth century.
Drawing from personal memories: Miss Venezuela pageants and televised military parades, Pérez confronts two central figures of the national imaginary: the beauty queen and the soldier. Trained bodies, uniforms, catwalks, and rituals emerge as aesthetics of control that shape desire, gender, and identity.
Through press and television archives, reworked political propaganda, and queer staged photography, the artist challenges a cisheteronormative narrative that historically erased everything that deviated from the norm.
Far from a nostalgic reading, Dead Homeland revisits patriotic symbols to open space for other possible memories: more uncomfortable, more diverse, and more free.
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El fotógrafo venezolano Andrés Pérez ( @le_veneque ) presenta Dead Homeland, un proyecto de investigación visual que examina cómo la belleza y la fuerza fueron convertidas en ideales nacionales en la Venezuela de la segunda mitad del siglo XX.
Partiendo de recuerdos personales: los concursos de Miss Venezuela y los desfiles militares televisados,Pérez confronta dos figuras centrales del imaginario nacional: la reina de belleza y el soldado. Cuerpos entrenados, uniformes, pasarelas y rituales aparecen como estéticas de control que moldean deseo, género e identidad.
A través de archivos de prensa y televisión, propaganda política intervenida y fotografías escenificadas desde una mirada queer, el artista cuestiona una narrativa cisheteronormativa que históricamente invisibilizó todo aquello que se apartaba de la norma.
Lejos de una lectura nostálgica, Dead Homeland revisa los símbolos patrios para abrir otras memorias posibles: más incómodas, más diversas y más libres.
Born in Geneva to a Colombian father and a British mother, curator and multidisciplinary artist Elise León-Morales ( @eliseleonmorales ) reflects on Latin American identity, memory, and belonging from a diasporic perspective in her essay, Stories for Rethinking - Interwoven Identities, she understands identity not as something fixed, but as a territory in constant transformation.
Through an intimate and political lens, she explores how colonial legacies continue to shape our understanding of ourselves: in the languages we speak, the bodies we inhabit, and the narratives imposed upon us.
Her essay also understands curating as a critical practice: a space capable of amplifying historically marginalized voices, sustaining complexities, and challenging the narratives from which contemporary culture is constructed.
Photos by Elise León-Morales - project on the Latin diaspora in London.
The essay can be read, in Spanish and English, in the first issue of Creatura, available via the link in bio and in select bookstores in Europe and America.
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Nacida en Ginebra, de padre colombiano y madre británica, la curadora y artista multidisciplinaria Elise León-Morales ( @eliseleonmorales ) reflexiona, en su texto Historias para repensar - Identidades entretejidas, sobre identidad latinoamericana, memoria y pertenencia desde una perspectiva diaspórica, entendiendo la identidad no como algo fijo, sino como un territorio en constante transformación.
A través de una mirada íntima y política, aborda cómo las herencias coloniales siguen moldeando la manera en que nos pensamos: en los lenguajes que hablamos, los cuerpos que habitamos y las narrativas que nos fueron impuestas.
Su texto también entiende la curaduría como una práctica crítica: un espacio capaz de amplificar voces históricamente marginadas, sostener complejidades y disputar los relatos desde los que se construye la cultura contemporánea.
Fotos por Elise León-Morales - proyecto sobre la diáspora latina en Londres.
El ensayo se puede leer, en español e inglés, en el primer número de Creatura, disponible en el link en bio y en librerías seleccionadas de Europa y América.
Born in Geneva to a Colombian father and a British mother, curator and multidisciplinary artist Elise León-Morales ( @eliseleonmorales ) reflects on Latin American identity, memory, and belonging from a diasporic perspective in her essay, Stories for Rethinking - Interwoven Identities, she understands identity not as something fixed, but as a territory in constant transformation.
Through an intimate and political lens, she explores how colonial legacies continue to shape our understanding of ourselves: in the languages we speak, the bodies we inhabit, and the narratives imposed upon us.
Her essay also understands curating as a critical practice: a space capable of amplifying historically marginalized voices, sustaining complexities, and challenging the narratives from which contemporary culture is constructed.
Photos by Elise León-Morales - project on the Latin diaspora in London.
The essay can be read, in Spanish and English, in the first issue of Creatura, available via the link in bio and in select bookstores in Europe and America.
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Nacida en Ginebra, de padre colombiano y madre británica, la curadora y artista multidisciplinaria Elise León-Morales ( @eliseleonmorales ) reflexiona, en su texto Historias para repensar - Identidades entretejidas, sobre identidad latinoamericana, memoria y pertenencia desde una perspectiva diaspórica, entendiendo la identidad no como algo fijo, sino como un territorio en constante transformación.
A través de una mirada íntima y política, aborda cómo las herencias coloniales siguen moldeando la manera en que nos pensamos: en los lenguajes que hablamos, los cuerpos que habitamos y las narrativas que nos fueron impuestas.
Su texto también entiende la curaduría como una práctica crítica: un espacio capaz de amplificar voces históricamente marginadas, sostener complejidades y disputar los relatos desde los que se construye la cultura contemporánea.
Fotos por Elise León-Morales - proyecto sobre la diáspora latina en Londres.
El ensayo se puede leer, en español e inglés, en el primer número de Creatura, disponible en el link en bio y en librerías seleccionadas de Europa y América.
Born in Geneva to a Colombian father and a British mother, curator and multidisciplinary artist Elise León-Morales ( @eliseleonmorales ) reflects on Latin American identity, memory, and belonging from a diasporic perspective in her essay, Stories for Rethinking - Interwoven Identities, she understands identity not as something fixed, but as a territory in constant transformation.
Through an intimate and political lens, she explores how colonial legacies continue to shape our understanding of ourselves: in the languages we speak, the bodies we inhabit, and the narratives imposed upon us.
Her essay also understands curating as a critical practice: a space capable of amplifying historically marginalized voices, sustaining complexities, and challenging the narratives from which contemporary culture is constructed.
Photos by Elise León-Morales - project on the Latin diaspora in London.
The essay can be read, in Spanish and English, in the first issue of Creatura, available via the link in bio and in select bookstores in Europe and America.
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Nacida en Ginebra, de padre colombiano y madre británica, la curadora y artista multidisciplinaria Elise León-Morales ( @eliseleonmorales ) reflexiona, en su texto Historias para repensar - Identidades entretejidas, sobre identidad latinoamericana, memoria y pertenencia desde una perspectiva diaspórica, entendiendo la identidad no como algo fijo, sino como un territorio en constante transformación.
A través de una mirada íntima y política, aborda cómo las herencias coloniales siguen moldeando la manera en que nos pensamos: en los lenguajes que hablamos, los cuerpos que habitamos y las narrativas que nos fueron impuestas.
Su texto también entiende la curaduría como una práctica crítica: un espacio capaz de amplificar voces históricamente marginadas, sostener complejidades y disputar los relatos desde los que se construye la cultura contemporánea.
Fotos por Elise León-Morales - proyecto sobre la diáspora latina en Londres.
El ensayo se puede leer, en español e inglés, en el primer número de Creatura, disponible en el link en bio y en librerías seleccionadas de Europa y América.
Born in Geneva to a Colombian father and a British mother, curator and multidisciplinary artist Elise León-Morales ( @eliseleonmorales ) reflects on Latin American identity, memory, and belonging from a diasporic perspective in her essay, Stories for Rethinking - Interwoven Identities, she understands identity not as something fixed, but as a territory in constant transformation.
Through an intimate and political lens, she explores how colonial legacies continue to shape our understanding of ourselves: in the languages we speak, the bodies we inhabit, and the narratives imposed upon us.
Her essay also understands curating as a critical practice: a space capable of amplifying historically marginalized voices, sustaining complexities, and challenging the narratives from which contemporary culture is constructed.
Photos by Elise León-Morales - project on the Latin diaspora in London.
The essay can be read, in Spanish and English, in the first issue of Creatura, available via the link in bio and in select bookstores in Europe and America.
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Nacida en Ginebra, de padre colombiano y madre británica, la curadora y artista multidisciplinaria Elise León-Morales ( @eliseleonmorales ) reflexiona, en su texto Historias para repensar - Identidades entretejidas, sobre identidad latinoamericana, memoria y pertenencia desde una perspectiva diaspórica, entendiendo la identidad no como algo fijo, sino como un territorio en constante transformación.
A través de una mirada íntima y política, aborda cómo las herencias coloniales siguen moldeando la manera en que nos pensamos: en los lenguajes que hablamos, los cuerpos que habitamos y las narrativas que nos fueron impuestas.
Su texto también entiende la curaduría como una práctica crítica: un espacio capaz de amplificar voces históricamente marginadas, sostener complejidades y disputar los relatos desde los que se construye la cultura contemporánea.
Fotos por Elise León-Morales - proyecto sobre la diáspora latina en Londres.
El ensayo se puede leer, en español e inglés, en el primer número de Creatura, disponible en el link en bio y en librerías seleccionadas de Europa y América.
In her essay, Lucha Libre: A Masked Melodrama, French-Mexican art historian Sarah Velázquez Orcel ( @_xel_ha ) offers a sharp reading of Mexican lucha libre, portraying it as much more than a spectacle or a sport: a symbolic territory where theatricality and national identity intersect.
Through a historical and cultural lens, the essay traces how lucha libre went from being scorned as vulgar entertainment to becoming one of Mexico’s most recognizable emblems. Along the way, Sarah reveals the tensions between popular culture and official narratives, between class, race, gender, and power.
The historian analyzes lucha libre as a living stage where new forms of representation are contested.
Photos: @latessita
The essay can be read, in Spanish and English, in the first issue of Creatura, available via the link in bio and in select bookstores in Europe and America.
—
La historiadora del arte franco-mexicana Sarah Velázquez Orcel ( @_xel_ha ) propone, en su texto Lucha Libre: un melodrama enmascarado, una lectura aguda de la lucha libre mexicana, como mucho más que espectáculo o deporte: un territorio simbólico donde se cruzan teatralidad e identidad nacional.
A través de una mirada histórica y cultural, el ensayo recorre cómo la lucha libre pasó de ser despreciada como entretenimiento vulgar a convertirse en uno de los emblemas más reconocibles de México. En ese recorrido, Sarah revela las tensiones entre cultura popular y discursos oficiales, entre clase, raza, género y poder.
La historiadora analiza a la lucha libre como un escenario vivo donde se disputan nuevas formas de representación.
Fotos: @latessita
El ensayo se puede leer, en español e inglés, en el primer número de Creatura, disponible en el link en bio y en librerías seleccionadas de Europa y América.
In her essay, Lucha Libre: A Masked Melodrama, French-Mexican art historian Sarah Velázquez Orcel ( @_xel_ha ) offers a sharp reading of Mexican lucha libre, portraying it as much more than a spectacle or a sport: a symbolic territory where theatricality and national identity intersect.
Through a historical and cultural lens, the essay traces how lucha libre went from being scorned as vulgar entertainment to becoming one of Mexico’s most recognizable emblems. Along the way, Sarah reveals the tensions between popular culture and official narratives, between class, race, gender, and power.
The historian analyzes lucha libre as a living stage where new forms of representation are contested.
Photos: @latessita
The essay can be read, in Spanish and English, in the first issue of Creatura, available via the link in bio and in select bookstores in Europe and America.
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La historiadora del arte franco-mexicana Sarah Velázquez Orcel ( @_xel_ha ) propone, en su texto Lucha Libre: un melodrama enmascarado, una lectura aguda de la lucha libre mexicana, como mucho más que espectáculo o deporte: un territorio simbólico donde se cruzan teatralidad e identidad nacional.
A través de una mirada histórica y cultural, el ensayo recorre cómo la lucha libre pasó de ser despreciada como entretenimiento vulgar a convertirse en uno de los emblemas más reconocibles de México. En ese recorrido, Sarah revela las tensiones entre cultura popular y discursos oficiales, entre clase, raza, género y poder.
La historiadora analiza a la lucha libre como un escenario vivo donde se disputan nuevas formas de representación.
Fotos: @latessita
El ensayo se puede leer, en español e inglés, en el primer número de Creatura, disponible en el link en bio y en librerías seleccionadas de Europa y América.
In her essay, Lucha Libre: A Masked Melodrama, French-Mexican art historian Sarah Velázquez Orcel ( @_xel_ha ) offers a sharp reading of Mexican lucha libre, portraying it as much more than a spectacle or a sport: a symbolic territory where theatricality and national identity intersect.
Through a historical and cultural lens, the essay traces how lucha libre went from being scorned as vulgar entertainment to becoming one of Mexico’s most recognizable emblems. Along the way, Sarah reveals the tensions between popular culture and official narratives, between class, race, gender, and power.
The historian analyzes lucha libre as a living stage where new forms of representation are contested.
Photos: @latessita
The essay can be read, in Spanish and English, in the first issue of Creatura, available via the link in bio and in select bookstores in Europe and America.
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La historiadora del arte franco-mexicana Sarah Velázquez Orcel ( @_xel_ha ) propone, en su texto Lucha Libre: un melodrama enmascarado, una lectura aguda de la lucha libre mexicana, como mucho más que espectáculo o deporte: un territorio simbólico donde se cruzan teatralidad e identidad nacional.
A través de una mirada histórica y cultural, el ensayo recorre cómo la lucha libre pasó de ser despreciada como entretenimiento vulgar a convertirse en uno de los emblemas más reconocibles de México. En ese recorrido, Sarah revela las tensiones entre cultura popular y discursos oficiales, entre clase, raza, género y poder.
La historiadora analiza a la lucha libre como un escenario vivo donde se disputan nuevas formas de representación.
Fotos: @latessita
El ensayo se puede leer, en español e inglés, en el primer número de Creatura, disponible en el link en bio y en librerías seleccionadas de Europa y América.
In her essay, Lucha Libre: A Masked Melodrama, French-Mexican art historian Sarah Velázquez Orcel ( @_xel_ha ) offers a sharp reading of Mexican lucha libre, portraying it as much more than a spectacle or a sport: a symbolic territory where theatricality and national identity intersect.
Through a historical and cultural lens, the essay traces how lucha libre went from being scorned as vulgar entertainment to becoming one of Mexico’s most recognizable emblems. Along the way, Sarah reveals the tensions between popular culture and official narratives, between class, race, gender, and power.
The historian analyzes lucha libre as a living stage where new forms of representation are contested.
Photos: @latessita
The essay can be read, in Spanish and English, in the first issue of Creatura, available via the link in bio and in select bookstores in Europe and America.
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La historiadora del arte franco-mexicana Sarah Velázquez Orcel ( @_xel_ha ) propone, en su texto Lucha Libre: un melodrama enmascarado, una lectura aguda de la lucha libre mexicana, como mucho más que espectáculo o deporte: un territorio simbólico donde se cruzan teatralidad e identidad nacional.
A través de una mirada histórica y cultural, el ensayo recorre cómo la lucha libre pasó de ser despreciada como entretenimiento vulgar a convertirse en uno de los emblemas más reconocibles de México. En ese recorrido, Sarah revela las tensiones entre cultura popular y discursos oficiales, entre clase, raza, género y poder.
La historiadora analiza a la lucha libre como un escenario vivo donde se disputan nuevas formas de representación.
Fotos: @latessita
El ensayo se puede leer, en español e inglés, en el primer número de Creatura, disponible en el link en bio y en librerías seleccionadas de Europa y América.
In her essay, Lucha Libre: A Masked Melodrama, French-Mexican art historian Sarah Velázquez Orcel ( @_xel_ha ) offers a sharp reading of Mexican lucha libre, portraying it as much more than a spectacle or a sport: a symbolic territory where theatricality and national identity intersect.
Through a historical and cultural lens, the essay traces how lucha libre went from being scorned as vulgar entertainment to becoming one of Mexico’s most recognizable emblems. Along the way, Sarah reveals the tensions between popular culture and official narratives, between class, race, gender, and power.
The historian analyzes lucha libre as a living stage where new forms of representation are contested.
Photos: @latessita
The essay can be read, in Spanish and English, in the first issue of Creatura, available via the link in bio and in select bookstores in Europe and America.
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La historiadora del arte franco-mexicana Sarah Velázquez Orcel ( @_xel_ha ) propone, en su texto Lucha Libre: un melodrama enmascarado, una lectura aguda de la lucha libre mexicana, como mucho más que espectáculo o deporte: un territorio simbólico donde se cruzan teatralidad e identidad nacional.
A través de una mirada histórica y cultural, el ensayo recorre cómo la lucha libre pasó de ser despreciada como entretenimiento vulgar a convertirse en uno de los emblemas más reconocibles de México. En ese recorrido, Sarah revela las tensiones entre cultura popular y discursos oficiales, entre clase, raza, género y poder.
La historiadora analiza a la lucha libre como un escenario vivo donde se disputan nuevas formas de representación.
Fotos: @latessita
El ensayo se puede leer, en español e inglés, en el primer número de Creatura, disponible en el link en bio y en librerías seleccionadas de Europa y América.
French-Uruguayan musician @luciano_supervielle reflects on identity, cultural heritage and creative freedom in a conversation with the Uruguayan journalist @fedebordaberry
Shaped by a life between Paris, Montevideo, Mexico City, Spain, Buenos Aires and other territories, Supervielle traces a career marked by multiple belongings: from his beginnings in Uruguayan hip hop with Plátano Macho to his work with @bajofondo_oficial and his solo practice.
Luciano questions rigid ideas of musical identity, proposing that what is truly one’s own does not come from following imposed traditions, but from recognizing the diverse heritage each artist carries within. In his universe, candombe, tango, classical music, rap, Río de la Plata rock, electronic experimentation and many other elements coexist.
Read the full interview, in Spanish and English, in the first issue of Creatura, available through the link in bio and in selected bookstores across Europe and the Americas.
Photos by @veraprego at @charcoclubcultural
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El músico Franco-uruguayo @luciano_supervielle reflexiona sobre identidad, herencia cultural y libertad creativa en una conversación con la periodista uruguaya @fedebordaberry
Marcado por una vida entre París, Montevideo, Ciudad de México, España, Buenos Aires y otros territorios, Supervielle recorre una trayectoria atravesada por múltiples pertenencias: desde sus comienzos en el hip hop uruguayo con Plátano Macho hasta su trabajo en @bajofondo_oficial y su obra solista.
Luciano cuestiona las ideas rígidas de identidad musical y plantea que lo propio no nace de responder a tradiciones impuestas, sino de reconocer el patrimonio diverso que cada artista lleva consigo. En su universo conviven el candombe, el tango, la música clásica, el rap, el rock rioplatense, la experimentación electrónica y más elementos.
Leé la entrevista completa, en español e inglés, en el primer número de Creatura, disponible en el link en bio y en librerías seleccionadas de Europa y América.
Fotos por @veraprego en @charcoclubcultural
French-Uruguayan musician @luciano_supervielle reflects on identity, cultural heritage and creative freedom in a conversation with the Uruguayan journalist @fedebordaberry
Shaped by a life between Paris, Montevideo, Mexico City, Spain, Buenos Aires and other territories, Supervielle traces a career marked by multiple belongings: from his beginnings in Uruguayan hip hop with Plátano Macho to his work with @bajofondo_oficial and his solo practice.
Luciano questions rigid ideas of musical identity, proposing that what is truly one’s own does not come from following imposed traditions, but from recognizing the diverse heritage each artist carries within. In his universe, candombe, tango, classical music, rap, Río de la Plata rock, electronic experimentation and many other elements coexist.
Read the full interview, in Spanish and English, in the first issue of Creatura, available through the link in bio and in selected bookstores across Europe and the Americas.
Photos by @veraprego at @charcoclubcultural
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El músico Franco-uruguayo @luciano_supervielle reflexiona sobre identidad, herencia cultural y libertad creativa en una conversación con la periodista uruguaya @fedebordaberry
Marcado por una vida entre París, Montevideo, Ciudad de México, España, Buenos Aires y otros territorios, Supervielle recorre una trayectoria atravesada por múltiples pertenencias: desde sus comienzos en el hip hop uruguayo con Plátano Macho hasta su trabajo en @bajofondo_oficial y su obra solista.
Luciano cuestiona las ideas rígidas de identidad musical y plantea que lo propio no nace de responder a tradiciones impuestas, sino de reconocer el patrimonio diverso que cada artista lleva consigo. En su universo conviven el candombe, el tango, la música clásica, el rap, el rock rioplatense, la experimentación electrónica y más elementos.
Leé la entrevista completa, en español e inglés, en el primer número de Creatura, disponible en el link en bio y en librerías seleccionadas de Europa y América.
Fotos por @veraprego en @charcoclubcultural
French-Uruguayan musician @luciano_supervielle reflects on identity, cultural heritage and creative freedom in a conversation with the Uruguayan journalist @fedebordaberry
Shaped by a life between Paris, Montevideo, Mexico City, Spain, Buenos Aires and other territories, Supervielle traces a career marked by multiple belongings: from his beginnings in Uruguayan hip hop with Plátano Macho to his work with @bajofondo_oficial and his solo practice.
Luciano questions rigid ideas of musical identity, proposing that what is truly one’s own does not come from following imposed traditions, but from recognizing the diverse heritage each artist carries within. In his universe, candombe, tango, classical music, rap, Río de la Plata rock, electronic experimentation and many other elements coexist.
Read the full interview, in Spanish and English, in the first issue of Creatura, available through the link in bio and in selected bookstores across Europe and the Americas.
Photos by @veraprego at @charcoclubcultural
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El músico Franco-uruguayo @luciano_supervielle reflexiona sobre identidad, herencia cultural y libertad creativa en una conversación con la periodista uruguaya @fedebordaberry
Marcado por una vida entre París, Montevideo, Ciudad de México, España, Buenos Aires y otros territorios, Supervielle recorre una trayectoria atravesada por múltiples pertenencias: desde sus comienzos en el hip hop uruguayo con Plátano Macho hasta su trabajo en @bajofondo_oficial y su obra solista.
Luciano cuestiona las ideas rígidas de identidad musical y plantea que lo propio no nace de responder a tradiciones impuestas, sino de reconocer el patrimonio diverso que cada artista lleva consigo. En su universo conviven el candombe, el tango, la música clásica, el rap, el rock rioplatense, la experimentación electrónica y más elementos.
Leé la entrevista completa, en español e inglés, en el primer número de Creatura, disponible en el link en bio y en librerías seleccionadas de Europa y América.
Fotos por @veraprego en @charcoclubcultural
French-Uruguayan musician @luciano_supervielle reflects on identity, cultural heritage and creative freedom in a conversation with the Uruguayan journalist @fedebordaberry
Shaped by a life between Paris, Montevideo, Mexico City, Spain, Buenos Aires and other territories, Supervielle traces a career marked by multiple belongings: from his beginnings in Uruguayan hip hop with Plátano Macho to his work with @bajofondo_oficial and his solo practice.
Luciano questions rigid ideas of musical identity, proposing that what is truly one’s own does not come from following imposed traditions, but from recognizing the diverse heritage each artist carries within. In his universe, candombe, tango, classical music, rap, Río de la Plata rock, electronic experimentation and many other elements coexist.
Read the full interview, in Spanish and English, in the first issue of Creatura, available through the link in bio and in selected bookstores across Europe and the Americas.
Photos by @veraprego at @charcoclubcultural
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El músico Franco-uruguayo @luciano_supervielle reflexiona sobre identidad, herencia cultural y libertad creativa en una conversación con la periodista uruguaya @fedebordaberry
Marcado por una vida entre París, Montevideo, Ciudad de México, España, Buenos Aires y otros territorios, Supervielle recorre una trayectoria atravesada por múltiples pertenencias: desde sus comienzos en el hip hop uruguayo con Plátano Macho hasta su trabajo en @bajofondo_oficial y su obra solista.
Luciano cuestiona las ideas rígidas de identidad musical y plantea que lo propio no nace de responder a tradiciones impuestas, sino de reconocer el patrimonio diverso que cada artista lleva consigo. En su universo conviven el candombe, el tango, la música clásica, el rap, el rock rioplatense, la experimentación electrónica y más elementos.
Leé la entrevista completa, en español e inglés, en el primer número de Creatura, disponible en el link en bio y en librerías seleccionadas de Europa y América.
Fotos por @veraprego en @charcoclubcultural
French-Uruguayan musician @luciano_supervielle reflects on identity, cultural heritage and creative freedom in a conversation with the Uruguayan journalist @fedebordaberry
Shaped by a life between Paris, Montevideo, Mexico City, Spain, Buenos Aires and other territories, Supervielle traces a career marked by multiple belongings: from his beginnings in Uruguayan hip hop with Plátano Macho to his work with @bajofondo_oficial and his solo practice.
Luciano questions rigid ideas of musical identity, proposing that what is truly one’s own does not come from following imposed traditions, but from recognizing the diverse heritage each artist carries within. In his universe, candombe, tango, classical music, rap, Río de la Plata rock, electronic experimentation and many other elements coexist.
Read the full interview, in Spanish and English, in the first issue of Creatura, available through the link in bio and in selected bookstores across Europe and the Americas.
Photos by @veraprego at @charcoclubcultural
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El músico Franco-uruguayo @luciano_supervielle reflexiona sobre identidad, herencia cultural y libertad creativa en una conversación con la periodista uruguaya @fedebordaberry
Marcado por una vida entre París, Montevideo, Ciudad de México, España, Buenos Aires y otros territorios, Supervielle recorre una trayectoria atravesada por múltiples pertenencias: desde sus comienzos en el hip hop uruguayo con Plátano Macho hasta su trabajo en @bajofondo_oficial y su obra solista.
Luciano cuestiona las ideas rígidas de identidad musical y plantea que lo propio no nace de responder a tradiciones impuestas, sino de reconocer el patrimonio diverso que cada artista lleva consigo. En su universo conviven el candombe, el tango, la música clásica, el rap, el rock rioplatense, la experimentación electrónica y más elementos.
Leé la entrevista completa, en español e inglés, en el primer número de Creatura, disponible en el link en bio y en librerías seleccionadas de Europa y América.
Fotos por @veraprego en @charcoclubcultural
French-Uruguayan musician @luciano_supervielle reflects on identity, cultural heritage and creative freedom in a conversation with the Uruguayan journalist @fedebordaberry
Shaped by a life between Paris, Montevideo, Mexico City, Spain, Buenos Aires and other territories, Supervielle traces a career marked by multiple belongings: from his beginnings in Uruguayan hip hop with Plátano Macho to his work with @bajofondo_oficial and his solo practice.
Luciano questions rigid ideas of musical identity, proposing that what is truly one’s own does not come from following imposed traditions, but from recognizing the diverse heritage each artist carries within. In his universe, candombe, tango, classical music, rap, Río de la Plata rock, electronic experimentation and many other elements coexist.
Read the full interview, in Spanish and English, in the first issue of Creatura, available through the link in bio and in selected bookstores across Europe and the Americas.
Photos by @veraprego at @charcoclubcultural
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El músico Franco-uruguayo @luciano_supervielle reflexiona sobre identidad, herencia cultural y libertad creativa en una conversación con la periodista uruguaya @fedebordaberry
Marcado por una vida entre París, Montevideo, Ciudad de México, España, Buenos Aires y otros territorios, Supervielle recorre una trayectoria atravesada por múltiples pertenencias: desde sus comienzos en el hip hop uruguayo con Plátano Macho hasta su trabajo en @bajofondo_oficial y su obra solista.
Luciano cuestiona las ideas rígidas de identidad musical y plantea que lo propio no nace de responder a tradiciones impuestas, sino de reconocer el patrimonio diverso que cada artista lleva consigo. En su universo conviven el candombe, el tango, la música clásica, el rap, el rock rioplatense, la experimentación electrónica y más elementos.
Leé la entrevista completa, en español e inglés, en el primer número de Creatura, disponible en el link en bio y en librerías seleccionadas de Europa y América.
Fotos por @veraprego en @charcoclubcultural
@andreaperez.jpg @yulissa_aranibar , @raramarabbia and @choupetik , born in Ecuador, Peru, Mexico and Venezuela, share one city: Paris.
Photographed by French-Uruguayan photographer and Creatura cofounder @veraprego and in conversation with Uruguayan journalist and Creatura co-founder @so.fiasofia , they reflect on the experience of migration, nostalgia, and the tensions of building from afar, as well as the need to create their own spaces within a scene that often reduces Latin America to a single narrative.
Through @linea__recta @trapos_finos_paris @arranca_prod @misanxtropical they propose new ways of thinking about Latin American identity abroad: multiple, contradictory, and in constant transformation.
Far from a homogeneous narrative, their initiatives rewrite what it means to be Latin American today, from Paris and in dialogue with the world.
Read the full article, in Spanish and English, in Creatura Issue No. 1, available via the link in bio and in selected bookstores across Europe and America.
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@andreaperez.jpg , @yulissa_aranibar , @raramarabbia y @choupetik , nacidas en Ecuador, Perú, México y Venezuela, comparten una ciudad: París.
Fotografiadas por la fotógrafa franco-uruguaya y cofundadora de Creatura @veraprego y en conversación con la periodista uruguaya y cofundadora de Creatura @so.fiasofia , reflexionan sobre la experiencia de migrar, la nostalgia y las tensiones de construir desde lejos, así como sobre la necesidad de crear espacios propios dentro de una escena que muchas veces encasilla lo latinoamericano.
A través de @linea__recta @trapos_finos_paris @arranca_prod @misanxtropical proponen nuevas formas de pensar la identidad latinoamericana en el exterior: múltiples, contradictorias y en constante transformación.
Lejos de una narrativa homogénea, sus iniciativas reescriben lo que significa ser latinoamericana hoy, desde París y en diálogo con el mundo.
Leé el artículo completo, en español e inglés, en el primer número de Creatura, disponible en el link en bio y en librerías seleccionadas de Europa y América.
@andreaperez.jpg @yulissa_aranibar , @raramarabbia and @choupetik , born in Ecuador, Peru, Mexico and Venezuela, share one city: Paris.
Photographed by French-Uruguayan photographer and Creatura cofounder @veraprego and in conversation with Uruguayan journalist and Creatura co-founder @so.fiasofia , they reflect on the experience of migration, nostalgia, and the tensions of building from afar, as well as the need to create their own spaces within a scene that often reduces Latin America to a single narrative.
Through @linea__recta @trapos_finos_paris @arranca_prod @misanxtropical they propose new ways of thinking about Latin American identity abroad: multiple, contradictory, and in constant transformation.
Far from a homogeneous narrative, their initiatives rewrite what it means to be Latin American today, from Paris and in dialogue with the world.
Read the full article, in Spanish and English, in Creatura Issue No. 1, available via the link in bio and in selected bookstores across Europe and America.
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@andreaperez.jpg , @yulissa_aranibar , @raramarabbia y @choupetik , nacidas en Ecuador, Perú, México y Venezuela, comparten una ciudad: París.
Fotografiadas por la fotógrafa franco-uruguaya y cofundadora de Creatura @veraprego y en conversación con la periodista uruguaya y cofundadora de Creatura @so.fiasofia , reflexionan sobre la experiencia de migrar, la nostalgia y las tensiones de construir desde lejos, así como sobre la necesidad de crear espacios propios dentro de una escena que muchas veces encasilla lo latinoamericano.
A través de @linea__recta @trapos_finos_paris @arranca_prod @misanxtropical proponen nuevas formas de pensar la identidad latinoamericana en el exterior: múltiples, contradictorias y en constante transformación.
Lejos de una narrativa homogénea, sus iniciativas reescriben lo que significa ser latinoamericana hoy, desde París y en diálogo con el mundo.
Leé el artículo completo, en español e inglés, en el primer número de Creatura, disponible en el link en bio y en librerías seleccionadas de Europa y América.
@andreaperez.jpg @yulissa_aranibar , @raramarabbia and @choupetik , born in Ecuador, Peru, Mexico and Venezuela, share one city: Paris.
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Through @linea__recta @trapos_finos_paris @arranca_prod @misanxtropical they propose new ways of thinking about Latin American identity abroad: multiple, contradictory, and in constant transformation.
Far from a homogeneous narrative, their initiatives rewrite what it means to be Latin American today, from Paris and in dialogue with the world.
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@andreaperez.jpg , @yulissa_aranibar , @raramarabbia y @choupetik , nacidas en Ecuador, Perú, México y Venezuela, comparten una ciudad: París.
Fotografiadas por la fotógrafa franco-uruguaya y cofundadora de Creatura @veraprego y en conversación con la periodista uruguaya y cofundadora de Creatura @so.fiasofia , reflexionan sobre la experiencia de migrar, la nostalgia y las tensiones de construir desde lejos, así como sobre la necesidad de crear espacios propios dentro de una escena que muchas veces encasilla lo latinoamericano.
A través de @linea__recta @trapos_finos_paris @arranca_prod @misanxtropical proponen nuevas formas de pensar la identidad latinoamericana en el exterior: múltiples, contradictorias y en constante transformación.
Lejos de una narrativa homogénea, sus iniciativas reescriben lo que significa ser latinoamericana hoy, desde París y en diálogo con el mundo.
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@andreaperez.jpg @yulissa_aranibar , @raramarabbia and @choupetik , born in Ecuador, Peru, Mexico and Venezuela, share one city: Paris.
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Through @linea__recta @trapos_finos_paris @arranca_prod @misanxtropical they propose new ways of thinking about Latin American identity abroad: multiple, contradictory, and in constant transformation.
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LANZAMIENTO CREATURA N.01 — MONTEVIDEO, URUGUAY
Creatura nació con el deseo de explorar y difundir el arte y la cultura latinoamericana contemporánea. A través de una revista impresa, busca crear un espacio donde la cultura latina pueda verse, leerse y sentirse en sus propios términos.
A través de artículos, entrevistas, ensayos y un foco en la fotografía contemporánea, este número reúne reflexiones sobre arte, identidad, migración, representación y pertenencia.
Creatura es una forma de archivar el presente y celebrar el caleidoscopio cultural latinoamericano.
El 19 de marzo @_hungry_art_ nos abre sus puertas para celebrar el Nº1 de la revista, junto a la música de @baulandoo , y a @z_artlab @invernizzi.uy , quien presentará una instalación especialmente creada para el lanzamiento.
19 de marzo
18:30 — 22:00
Reconquista 602
Foto: @ceci_oh
Some photographs from the open call for Creatura Issue No. 1, dedicated to Latin American cities. All of them are published in our first print issue.
Creatura Issue No. 1 is available through the link in bio and in selected bookstores across Europe and the Americas.
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Algunas fotografías de la convocatoria abierta del número 1 de Creatura, dedicada a las ciudades latinoamericanas. Todas están publicadas en nuestro primer número impreso.
Creatura N1 está disponible a través del link en bio y en librerías seleccionadas de Europa y América.
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