Instagram Story Save

Hüsnü Özyeğin Vakfı desteğiyle yetişkin ve çocuklara özel olarak programlanan atölyeler, sanatseverleri OMM’da buluşturmaya devam ediyor. Detaylı bilgi ve rezervasyon için bizimle iletişime geçebilisiniz.

☎️ 0 (222) 221 27 37
📩 egitim@omm.art

Supported by Hüsnü Özyeğin Foundation, workshops for both adults and children bring art lovers together at OMM. For detailed information and bookings, contact us.

☎️ 0 (222) 221 27 37
📩 egitim@omm.art

Hüsnü Özyeğin Vakfı desteğiyle yetişkin ve çocuklara özel olarak programlanan atölyeler, sanatseverleri OMM’da buluşturmaya devam ediyor. Detaylı bilgi ve rezervasyon için bizimle iletişime geçebilisiniz.

☎️ 0 (222) 221 27 37
📩 egitim@omm.art

Supported by Hüsnü Özyeğin Foundation, workshops for both adults and children bring art lovers together at OMM. For detailed information and bookings, contact us.

☎️ 0 (222) 221 27 37
📩 egitim@omm.art

Hüsnü Özyeğin Vakfı desteğiyle yetişkin ve çocuklara özel olarak programlanan atölyeler, sanatseverleri OMM’da buluşturmaya devam ediyor. Detaylı bilgi ve rezervasyon için bizimle iletişime geçebilisiniz.

☎️ 0 (222) 221 27 37
📩 egitim@omm.art

Supported by Hüsnü Özyeğin Foundation, workshops for both adults and children bring art lovers together at OMM. For detailed information and bookings, contact us.

☎️ 0 (222) 221 27 37
📩 egitim@omm.art

Hüsnü Özyeğin Vakfı desteğiyle yetişkin ve çocuklara özel olarak programlanan atölyeler, sanatseverleri OMM’da buluşturmaya devam ediyor. Detaylı bilgi ve rezervasyon için bizimle iletişime geçebilisiniz.

☎️ 0 (222) 221 27 37
📩 egitim@omm.art

Supported by Hüsnü Özyeğin Foundation, workshops for both adults and children bring art lovers together at OMM. For detailed information and bookings, contact us.

☎️ 0 (222) 221 27 37
📩 egitim@omm.art

Hüsnü Özyeğin Vakfı desteğiyle yetişkin ve çocuklara özel olarak programlanan atölyeler, sanatseverleri OMM’da buluşturmaya devam ediyor. Detaylı bilgi ve rezervasyon için bizimle iletişime geçebilisiniz.

☎️ 0 (222) 221 27 37
📩 egitim@omm.art

Supported by Hüsnü Özyeğin Foundation, workshops for both adults and children bring art lovers together at OMM. For detailed information and bookings, contact us.

☎️ 0 (222) 221 27 37
📩 egitim@omm.art

"Görünmeyeni, silinmiş olanı ya da geride kalanı resmetmek ile ilgileniyorum.”

OMM Studio kapsamında, “Ferahfeza” sergisinde eserleri yer alan Özer Toraman ile bir aradayız. Sanatçının, fotoğraftan başlayıp sezgisel bir resim diline dönüşen üretim sürecini ve yalnızlık, bekleyiş, zamansızlık gibi duyguların resimlerinde yarattığı atmosferi keşfediyoruz.

Röportajın tamamına omm.art/tr/journal üzerinden ve bio’daki bağlantıdan ulaşabilirsiniz 🔗

"I’m interested in painting what is unseen, erased, or left behind."

As part of OMM Studio, we are together with Özer Toraman, featured in “Wide Expanse” exhibition. We explore how his process moves from photography toward an intuitive painterly language; and how feelings of solitude, waiting, and timelessness take shape as atmosphere in his work.

You can read the full interview via the link in bio: omm.art/en/journal 🔗

Amerikalı sanatçı Simone Leigh, yirmi yılı aşkın süredir heykel, video ve enstalasyonlar aracılığıyla siyah kadın kimliğini, emeğini ve deneyimini merkezine alan çok katmanlı bir üretim sürdürür. @simoneyvetteleigh , çalışmalarını oto-etnografik olarak tanımlar; tuz sırlı seramik ve bronz heykellerinde sıklıkla Afrika sanatıyla ilişkilendirilen formları kullanır ve performans odaklı enstalasyonlarıyla tarih ve kolektif hafızayı bir araya getirir. Leigh’in işleri, siyah kadınların tarih boyunca gösterdikleri değişim, adaptasyon ve dayanıklılığın somut izlerini taşır. Malzeme seçimi ve araştırmaya dayalı arşivsel yaklaşımı, tarihsel bağlamla güncel deneyimler arasında köprü kurar🔗

American artist Simone Leigh has spent over twenty years creating a multifaceted body of work centered on Black female identity, labor, and experience through sculpture, video, and installations. @simoneyvetteleigh describes her practice as auto-ethnographic, often employing forms associated with African art in her salt-glazed ceramic and bronze sculptures. Her performance-based installations weave together history and collective memory. Leigh’s works bear tangible traces of the change, adaptation, and resilience that Black women have demonstrated throughout history. Her archival approach, grounded in material exploration and research, creates a bridge between historical context and contemporary experience🔗

Amerikalı sanatçı Simone Leigh, yirmi yılı aşkın süredir heykel, video ve enstalasyonlar aracılığıyla siyah kadın kimliğini, emeğini ve deneyimini merkezine alan çok katmanlı bir üretim sürdürür. @simoneyvetteleigh , çalışmalarını oto-etnografik olarak tanımlar; tuz sırlı seramik ve bronz heykellerinde sıklıkla Afrika sanatıyla ilişkilendirilen formları kullanır ve performans odaklı enstalasyonlarıyla tarih ve kolektif hafızayı bir araya getirir. Leigh’in işleri, siyah kadınların tarih boyunca gösterdikleri değişim, adaptasyon ve dayanıklılığın somut izlerini taşır. Malzeme seçimi ve araştırmaya dayalı arşivsel yaklaşımı, tarihsel bağlamla güncel deneyimler arasında köprü kurar🔗

American artist Simone Leigh has spent over twenty years creating a multifaceted body of work centered on Black female identity, labor, and experience through sculpture, video, and installations. @simoneyvetteleigh describes her practice as auto-ethnographic, often employing forms associated with African art in her salt-glazed ceramic and bronze sculptures. Her performance-based installations weave together history and collective memory. Leigh’s works bear tangible traces of the change, adaptation, and resilience that Black women have demonstrated throughout history. Her archival approach, grounded in material exploration and research, creates a bridge between historical context and contemporary experience🔗

Amerikalı sanatçı Simone Leigh, yirmi yılı aşkın süredir heykel, video ve enstalasyonlar aracılığıyla siyah kadın kimliğini, emeğini ve deneyimini merkezine alan çok katmanlı bir üretim sürdürür. @simoneyvetteleigh , çalışmalarını oto-etnografik olarak tanımlar; tuz sırlı seramik ve bronz heykellerinde sıklıkla Afrika sanatıyla ilişkilendirilen formları kullanır ve performans odaklı enstalasyonlarıyla tarih ve kolektif hafızayı bir araya getirir. Leigh’in işleri, siyah kadınların tarih boyunca gösterdikleri değişim, adaptasyon ve dayanıklılığın somut izlerini taşır. Malzeme seçimi ve araştırmaya dayalı arşivsel yaklaşımı, tarihsel bağlamla güncel deneyimler arasında köprü kurar🔗

American artist Simone Leigh has spent over twenty years creating a multifaceted body of work centered on Black female identity, labor, and experience through sculpture, video, and installations. @simoneyvetteleigh describes her practice as auto-ethnographic, often employing forms associated with African art in her salt-glazed ceramic and bronze sculptures. Her performance-based installations weave together history and collective memory. Leigh’s works bear tangible traces of the change, adaptation, and resilience that Black women have demonstrated throughout history. Her archival approach, grounded in material exploration and research, creates a bridge between historical context and contemporary experience🔗

Amerikalı sanatçı Simone Leigh, yirmi yılı aşkın süredir heykel, video ve enstalasyonlar aracılığıyla siyah kadın kimliğini, emeğini ve deneyimini merkezine alan çok katmanlı bir üretim sürdürür. @simoneyvetteleigh , çalışmalarını oto-etnografik olarak tanımlar; tuz sırlı seramik ve bronz heykellerinde sıklıkla Afrika sanatıyla ilişkilendirilen formları kullanır ve performans odaklı enstalasyonlarıyla tarih ve kolektif hafızayı bir araya getirir. Leigh’in işleri, siyah kadınların tarih boyunca gösterdikleri değişim, adaptasyon ve dayanıklılığın somut izlerini taşır. Malzeme seçimi ve araştırmaya dayalı arşivsel yaklaşımı, tarihsel bağlamla güncel deneyimler arasında köprü kurar🔗

American artist Simone Leigh has spent over twenty years creating a multifaceted body of work centered on Black female identity, labor, and experience through sculpture, video, and installations. @simoneyvetteleigh describes her practice as auto-ethnographic, often employing forms associated with African art in her salt-glazed ceramic and bronze sculptures. Her performance-based installations weave together history and collective memory. Leigh’s works bear tangible traces of the change, adaptation, and resilience that Black women have demonstrated throughout history. Her archival approach, grounded in material exploration and research, creates a bridge between historical context and contemporary experience🔗

Amerikalı sanatçı Simone Leigh, yirmi yılı aşkın süredir heykel, video ve enstalasyonlar aracılığıyla siyah kadın kimliğini, emeğini ve deneyimini merkezine alan çok katmanlı bir üretim sürdürür. @simoneyvetteleigh , çalışmalarını oto-etnografik olarak tanımlar; tuz sırlı seramik ve bronz heykellerinde sıklıkla Afrika sanatıyla ilişkilendirilen formları kullanır ve performans odaklı enstalasyonlarıyla tarih ve kolektif hafızayı bir araya getirir. Leigh’in işleri, siyah kadınların tarih boyunca gösterdikleri değişim, adaptasyon ve dayanıklılığın somut izlerini taşır. Malzeme seçimi ve araştırmaya dayalı arşivsel yaklaşımı, tarihsel bağlamla güncel deneyimler arasında köprü kurar🔗

American artist Simone Leigh has spent over twenty years creating a multifaceted body of work centered on Black female identity, labor, and experience through sculpture, video, and installations. @simoneyvetteleigh describes her practice as auto-ethnographic, often employing forms associated with African art in her salt-glazed ceramic and bronze sculptures. Her performance-based installations weave together history and collective memory. Leigh’s works bear tangible traces of the change, adaptation, and resilience that Black women have demonstrated throughout history. Her archival approach, grounded in material exploration and research, creates a bridge between historical context and contemporary experience🔗

Haziran ayında OMM Eğitim Programları ile sanatın ilham verici dünyasına adım atın. Yetişkin ve çocuklara yönelik yaratıcı atölyelerimiz hakkında detaylı bilgi ve rezervasyon için bizimle iletişime geçebilirsiniz.

☎️ 0 (222) 221 27 37
📩 egitim@omm.art

This June, explore the inspring world of art with OMM’s Educational Programs. For detailed information and bookings about creative worlshops for both children and adults, contact us.

☎️ 0 (222) 221 27 37
📩 egitim@omm.art

Haziran ayında OMM Eğitim Programları ile sanatın ilham verici dünyasına adım atın. Yetişkin ve çocuklara yönelik yaratıcı atölyelerimiz hakkında detaylı bilgi ve rezervasyon için bizimle iletişime geçebilirsiniz.

☎️ 0 (222) 221 27 37
📩 egitim@omm.art

This June, explore the inspring world of art with OMM’s Educational Programs. For detailed information and bookings about creative worlshops for both children and adults, contact us.

☎️ 0 (222) 221 27 37
📩 egitim@omm.art

Haziran ayında OMM Eğitim Programları ile sanatın ilham verici dünyasına adım atın. Yetişkin ve çocuklara yönelik yaratıcı atölyelerimiz hakkında detaylı bilgi ve rezervasyon için bizimle iletişime geçebilirsiniz.

☎️ 0 (222) 221 27 37
📩 egitim@omm.art

This June, explore the inspring world of art with OMM’s Educational Programs. For detailed information and bookings about creative worlshops for both children and adults, contact us.

☎️ 0 (222) 221 27 37
📩 egitim@omm.art

Haziran ayında OMM Eğitim Programları ile sanatın ilham verici dünyasına adım atın. Yetişkin ve çocuklara yönelik yaratıcı atölyelerimiz hakkında detaylı bilgi ve rezervasyon için bizimle iletişime geçebilirsiniz.

☎️ 0 (222) 221 27 37
📩 egitim@omm.art

This June, explore the inspring world of art with OMM’s Educational Programs. For detailed information and bookings about creative worlshops for both children and adults, contact us.

☎️ 0 (222) 221 27 37
📩 egitim@omm.art

Haziran ayında OMM Eğitim Programları ile sanatın ilham verici dünyasına adım atın. Yetişkin ve çocuklara yönelik yaratıcı atölyelerimiz hakkında detaylı bilgi ve rezervasyon için bizimle iletişime geçebilirsiniz.

☎️ 0 (222) 221 27 37
📩 egitim@omm.art

This June, explore the inspring world of art with OMM’s Educational Programs. For detailed information and bookings about creative worlshops for both children and adults, contact us.

☎️ 0 (222) 221 27 37
📩 egitim@omm.art

Haziran ayında OMM Eğitim Programları ile sanatın ilham verici dünyasına adım atın. Yetişkin ve çocuklara yönelik yaratıcı atölyelerimiz hakkında detaylı bilgi ve rezervasyon için bizimle iletişime geçebilirsiniz.

☎️ 0 (222) 221 27 37
📩 egitim@omm.art

This June, explore the inspring world of art with OMM’s Educational Programs. For detailed information and bookings about creative worlshops for both children and adults, contact us.

☎️ 0 (222) 221 27 37
📩 egitim@omm.art

Haziran ayında OMM Eğitim Programları ile sanatın ilham verici dünyasına adım atın. Yetişkin ve çocuklara yönelik yaratıcı atölyelerimiz hakkında detaylı bilgi ve rezervasyon için bizimle iletişime geçebilirsiniz.

☎️ 0 (222) 221 27 37
📩 egitim@omm.art

This June, explore the inspring world of art with OMM’s Educational Programs. For detailed information and bookings about creative worlshops for both children and adults, contact us.

☎️ 0 (222) 221 27 37
📩 egitim@omm.art

New York merkezli İsviçreli sanatçı Ugo Rondinone, form, renk ve mekân aracılığıyla izleyiciyi doğa, zaman ve insan ilişkileri üzerine düşünmeye davet eder. @ugorondinone0 , heykel ve resim geleneklerini bir araya getiren organik bir biçim dili geliştirir ve bu yaklaşım, iki ve üç boyutlu nesneler, enstalasyonlar, videolar ve performanslar gibi çok çeşitli eserler yaratmasına olanak tanır. Sanatçının hibrit formları, hem eski hem de modern kültürel kaynaklardan beslenir; bu eserler hem trajik hem de mizahi öğeler taşır ve çağımızın en temel meselelerine doğrudan dokunur. Rondinone, modernist ve arkaik ifadeleri bir araya getirerek insan doğasına dair kapsamlı ve düşündürücü bir bakış sunar 👥

New York–based Swiss artist Ugo Rondinone invites viewers to reflect on nature, time, and human relationships through form, color, and space. He develops an organic visual language that unites the traditions of sculpture and painting, enabling him to create a wide range of works, including two- and three-dimensional objects, installations, videos, and performances. @ugorondinone0 's hybrid forms draw on both ancient and contemporary cultural sources, blending tragic and humorous elements while addressing some of the most fundamental issues of our time. By combining modernist and archaic expressions, he offers a profound and thought-provoking perspective on human nature 👥

New York merkezli İsviçreli sanatçı Ugo Rondinone, form, renk ve mekân aracılığıyla izleyiciyi doğa, zaman ve insan ilişkileri üzerine düşünmeye davet eder. @ugorondinone0 , heykel ve resim geleneklerini bir araya getiren organik bir biçim dili geliştirir ve bu yaklaşım, iki ve üç boyutlu nesneler, enstalasyonlar, videolar ve performanslar gibi çok çeşitli eserler yaratmasına olanak tanır. Sanatçının hibrit formları, hem eski hem de modern kültürel kaynaklardan beslenir; bu eserler hem trajik hem de mizahi öğeler taşır ve çağımızın en temel meselelerine doğrudan dokunur. Rondinone, modernist ve arkaik ifadeleri bir araya getirerek insan doğasına dair kapsamlı ve düşündürücü bir bakış sunar 👥

New York–based Swiss artist Ugo Rondinone invites viewers to reflect on nature, time, and human relationships through form, color, and space. He develops an organic visual language that unites the traditions of sculpture and painting, enabling him to create a wide range of works, including two- and three-dimensional objects, installations, videos, and performances. @ugorondinone0 's hybrid forms draw on both ancient and contemporary cultural sources, blending tragic and humorous elements while addressing some of the most fundamental issues of our time. By combining modernist and archaic expressions, he offers a profound and thought-provoking perspective on human nature 👥

New York merkezli İsviçreli sanatçı Ugo Rondinone, form, renk ve mekân aracılığıyla izleyiciyi doğa, zaman ve insan ilişkileri üzerine düşünmeye davet eder. @ugorondinone0 , heykel ve resim geleneklerini bir araya getiren organik bir biçim dili geliştirir ve bu yaklaşım, iki ve üç boyutlu nesneler, enstalasyonlar, videolar ve performanslar gibi çok çeşitli eserler yaratmasına olanak tanır. Sanatçının hibrit formları, hem eski hem de modern kültürel kaynaklardan beslenir; bu eserler hem trajik hem de mizahi öğeler taşır ve çağımızın en temel meselelerine doğrudan dokunur. Rondinone, modernist ve arkaik ifadeleri bir araya getirerek insan doğasına dair kapsamlı ve düşündürücü bir bakış sunar 👥

New York–based Swiss artist Ugo Rondinone invites viewers to reflect on nature, time, and human relationships through form, color, and space. He develops an organic visual language that unites the traditions of sculpture and painting, enabling him to create a wide range of works, including two- and three-dimensional objects, installations, videos, and performances. @ugorondinone0 's hybrid forms draw on both ancient and contemporary cultural sources, blending tragic and humorous elements while addressing some of the most fundamental issues of our time. By combining modernist and archaic expressions, he offers a profound and thought-provoking perspective on human nature 👥

New York merkezli İsviçreli sanatçı Ugo Rondinone, form, renk ve mekân aracılığıyla izleyiciyi doğa, zaman ve insan ilişkileri üzerine düşünmeye davet eder. @ugorondinone0 , heykel ve resim geleneklerini bir araya getiren organik bir biçim dili geliştirir ve bu yaklaşım, iki ve üç boyutlu nesneler, enstalasyonlar, videolar ve performanslar gibi çok çeşitli eserler yaratmasına olanak tanır. Sanatçının hibrit formları, hem eski hem de modern kültürel kaynaklardan beslenir; bu eserler hem trajik hem de mizahi öğeler taşır ve çağımızın en temel meselelerine doğrudan dokunur. Rondinone, modernist ve arkaik ifadeleri bir araya getirerek insan doğasına dair kapsamlı ve düşündürücü bir bakış sunar 👥

New York–based Swiss artist Ugo Rondinone invites viewers to reflect on nature, time, and human relationships through form, color, and space. He develops an organic visual language that unites the traditions of sculpture and painting, enabling him to create a wide range of works, including two- and three-dimensional objects, installations, videos, and performances. @ugorondinone0 's hybrid forms draw on both ancient and contemporary cultural sources, blending tragic and humorous elements while addressing some of the most fundamental issues of our time. By combining modernist and archaic expressions, he offers a profound and thought-provoking perspective on human nature 👥

New York merkezli İsviçreli sanatçı Ugo Rondinone, form, renk ve mekân aracılığıyla izleyiciyi doğa, zaman ve insan ilişkileri üzerine düşünmeye davet eder. @ugorondinone0 , heykel ve resim geleneklerini bir araya getiren organik bir biçim dili geliştirir ve bu yaklaşım, iki ve üç boyutlu nesneler, enstalasyonlar, videolar ve performanslar gibi çok çeşitli eserler yaratmasına olanak tanır. Sanatçının hibrit formları, hem eski hem de modern kültürel kaynaklardan beslenir; bu eserler hem trajik hem de mizahi öğeler taşır ve çağımızın en temel meselelerine doğrudan dokunur. Rondinone, modernist ve arkaik ifadeleri bir araya getirerek insan doğasına dair kapsamlı ve düşündürücü bir bakış sunar 👥

New York–based Swiss artist Ugo Rondinone invites viewers to reflect on nature, time, and human relationships through form, color, and space. He develops an organic visual language that unites the traditions of sculpture and painting, enabling him to create a wide range of works, including two- and three-dimensional objects, installations, videos, and performances. @ugorondinone0 's hybrid forms draw on both ancient and contemporary cultural sources, blending tragic and humorous elements while addressing some of the most fundamental issues of our time. By combining modernist and archaic expressions, he offers a profound and thought-provoking perspective on human nature 👥

New York merkezli İsviçreli sanatçı Ugo Rondinone, form, renk ve mekân aracılığıyla izleyiciyi doğa, zaman ve insan ilişkileri üzerine düşünmeye davet eder. @ugorondinone0 , heykel ve resim geleneklerini bir araya getiren organik bir biçim dili geliştirir ve bu yaklaşım, iki ve üç boyutlu nesneler, enstalasyonlar, videolar ve performanslar gibi çok çeşitli eserler yaratmasına olanak tanır. Sanatçının hibrit formları, hem eski hem de modern kültürel kaynaklardan beslenir; bu eserler hem trajik hem de mizahi öğeler taşır ve çağımızın en temel meselelerine doğrudan dokunur. Rondinone, modernist ve arkaik ifadeleri bir araya getirerek insan doğasına dair kapsamlı ve düşündürücü bir bakış sunar 👥

New York–based Swiss artist Ugo Rondinone invites viewers to reflect on nature, time, and human relationships through form, color, and space. He develops an organic visual language that unites the traditions of sculpture and painting, enabling him to create a wide range of works, including two- and three-dimensional objects, installations, videos, and performances. @ugorondinone0 's hybrid forms draw on both ancient and contemporary cultural sources, blending tragic and humorous elements while addressing some of the most fundamental issues of our time. By combining modernist and archaic expressions, he offers a profound and thought-provoking perspective on human nature 👥

“İzleyicinin yalnızca hissetmesini değil, aynı zamanda düşünmesini ve resimle bir ilişki kurmasını önemsiyorum.”

OMM Studio kapsamında, “Ferahfeza” sergisinde eserleri yer alan İhsan Oturmak ile bir aradayız. Sanatçının resimden videoya uzanan üretim pratiğinde, bireysel deneyimden yola çıkıp toplumsal ve politik bir dile dönüşen araştırma sürecini, birlikte olma hâlinin nasıl değiştiğini ve kamusal alanın görünmez kurallarını keşfediyoruz.

Röportajın tamamına omm.art/tr/ommoloji üzerinden ve bio’daki bağlantıdan ulaşabilirsiniz 🔗

“That’s why I care not only about making the viewer feel, but also about encouraging them to think and build a relationship with the work.”

As part of OMM Studio, we are together with İhsan Oturmak, featured in “Wide Expanse” exhibition. Spanning painting and video, we explore how his practice evolves from personal experience into a social and political language, how forms of togetherness have shifted, and the unseen rules of public space.

You can read the full interview via the link in bio: omm.art/en/journal 🔗

Etel Adnan, Beyrut’ta çok kültürlü bir aileye doğmuş, neslinin önemli ressam ve şairlerindendir. Hayatı boyunca gözlemlediği siyasal ve toplumsal olayları üretimlerine aktarmıştır. Zengin kimliğinin izlerini eserlerinde görmek mümkündür; çevresindeki fiziksel dünyayı olağanüstü bir doğallık ve içtenlikle yorumlar. Adnan’ın mevsimleri, manzaraları, işaretleri, gökyüzündeki hayali gezegenleri, güneşleri, uyduları ve dinamizmi izleyiciye derin bir keşif ve temaşa alanı açar. Adnan, son dönem eserlerinde hafızasından faydalanır. Sarı, turuncu veya yeşil daireler ve renk blokları güneşi, denizi veya kumu çağrıştırır. Sanatçının Beyrut’taki çocukluğunun gölgelerine veya Kaliforniya manzaralarına göz kırpar. Eserleri, Adnan’ın “çok boyutlu ve eşzamanlı” olarak tanımladığı görüşü yansıtır ve birçok imgenin tek bir duyusal deneyimde birleştiği bir buluşma noktası yaratır.

Etel Adnan'ın Erol Tabanca Koleksiyonu'nda yer alan “Aynalama” adlı eseri "Ferahfeza" sergisi kapsamında OMM'da görülebilir 👁️

Born in Beirut to a multi-cultural family in 1925, Etel Adnan was a prominent poet and a painter of her generation. She poured the socio-political upheavals that beset her life into writing and painting. Her intimate yet remarkable practice was nourished by cross-cultural experiences and her spiritual engagement with her surroundings. Adnan’s interpretation of the physical world was natural; seasons, landscapes, signs and celestial figures such as imagined planets, suns and moons opened up space for profound surveys and discoveries. Adnan painted later works from memory. Floating round shapes rendered in yellow, orange or green and strips of color suggest sun, sea or sand that allude to the shadows of her childhood in Beirut or the sunny landscapes of California. These works reflect Adnan’s idea of vision as “multidimensional and simultaneous”, a meeting place for many images, melded into one sensorial experience.

Etel Adnan’s “Mirroring" named work from the Erol Tabanca Collection can be seen at OMM as part of “Wide Expanse” exhibition 👁️

Etel Adnan, Beyrut’ta çok kültürlü bir aileye doğmuş, neslinin önemli ressam ve şairlerindendir. Hayatı boyunca gözlemlediği siyasal ve toplumsal olayları üretimlerine aktarmıştır. Zengin kimliğinin izlerini eserlerinde görmek mümkündür; çevresindeki fiziksel dünyayı olağanüstü bir doğallık ve içtenlikle yorumlar. Adnan’ın mevsimleri, manzaraları, işaretleri, gökyüzündeki hayali gezegenleri, güneşleri, uyduları ve dinamizmi izleyiciye derin bir keşif ve temaşa alanı açar. Adnan, son dönem eserlerinde hafızasından faydalanır. Sarı, turuncu veya yeşil daireler ve renk blokları güneşi, denizi veya kumu çağrıştırır. Sanatçının Beyrut’taki çocukluğunun gölgelerine veya Kaliforniya manzaralarına göz kırpar. Eserleri, Adnan’ın “çok boyutlu ve eşzamanlı” olarak tanımladığı görüşü yansıtır ve birçok imgenin tek bir duyusal deneyimde birleştiği bir buluşma noktası yaratır.

Etel Adnan'ın Erol Tabanca Koleksiyonu'nda yer alan “Aynalama” adlı eseri "Ferahfeza" sergisi kapsamında OMM'da görülebilir 👁️

Born in Beirut to a multi-cultural family in 1925, Etel Adnan was a prominent poet and a painter of her generation. She poured the socio-political upheavals that beset her life into writing and painting. Her intimate yet remarkable practice was nourished by cross-cultural experiences and her spiritual engagement with her surroundings. Adnan’s interpretation of the physical world was natural; seasons, landscapes, signs and celestial figures such as imagined planets, suns and moons opened up space for profound surveys and discoveries. Adnan painted later works from memory. Floating round shapes rendered in yellow, orange or green and strips of color suggest sun, sea or sand that allude to the shadows of her childhood in Beirut or the sunny landscapes of California. These works reflect Adnan’s idea of vision as “multidimensional and simultaneous”, a meeting place for many images, melded into one sensorial experience.

Etel Adnan’s “Mirroring" named work from the Erol Tabanca Collection can be seen at OMM as part of “Wide Expanse” exhibition 👁️

Etel Adnan, Beyrut’ta çok kültürlü bir aileye doğmuş, neslinin önemli ressam ve şairlerindendir. Hayatı boyunca gözlemlediği siyasal ve toplumsal olayları üretimlerine aktarmıştır. Zengin kimliğinin izlerini eserlerinde görmek mümkündür; çevresindeki fiziksel dünyayı olağanüstü bir doğallık ve içtenlikle yorumlar. Adnan’ın mevsimleri, manzaraları, işaretleri, gökyüzündeki hayali gezegenleri, güneşleri, uyduları ve dinamizmi izleyiciye derin bir keşif ve temaşa alanı açar. Adnan, son dönem eserlerinde hafızasından faydalanır. Sarı, turuncu veya yeşil daireler ve renk blokları güneşi, denizi veya kumu çağrıştırır. Sanatçının Beyrut’taki çocukluğunun gölgelerine veya Kaliforniya manzaralarına göz kırpar. Eserleri, Adnan’ın “çok boyutlu ve eşzamanlı” olarak tanımladığı görüşü yansıtır ve birçok imgenin tek bir duyusal deneyimde birleştiği bir buluşma noktası yaratır.

Etel Adnan'ın Erol Tabanca Koleksiyonu'nda yer alan “Aynalama” adlı eseri "Ferahfeza" sergisi kapsamında OMM'da görülebilir 👁️

Born in Beirut to a multi-cultural family in 1925, Etel Adnan was a prominent poet and a painter of her generation. She poured the socio-political upheavals that beset her life into writing and painting. Her intimate yet remarkable practice was nourished by cross-cultural experiences and her spiritual engagement with her surroundings. Adnan’s interpretation of the physical world was natural; seasons, landscapes, signs and celestial figures such as imagined planets, suns and moons opened up space for profound surveys and discoveries. Adnan painted later works from memory. Floating round shapes rendered in yellow, orange or green and strips of color suggest sun, sea or sand that allude to the shadows of her childhood in Beirut or the sunny landscapes of California. These works reflect Adnan’s idea of vision as “multidimensional and simultaneous”, a meeting place for many images, melded into one sensorial experience.

Etel Adnan’s “Mirroring" named work from the Erol Tabanca Collection can be seen at OMM as part of “Wide Expanse” exhibition 👁️

New York merkezli sanatçı Luam Melake, işlevsel mobilya tasarımları üzerinden nesnelerin psikolojik etkilerini araştırır. Melake'nin üretimi, malzeme, form ve işlevi bir araya getirerek izleyicide hem bilinçli hem de bilinçdışı duygusal tepkiler uyandırmayı amaçlar. Malzemeler arasında kurduğu etkileşim, izleyicide farkındalık uyandırmaya yöneliktir, kişisel yaklaşımları açığa çıkarır ve duygusal bir iletişim yaratır. Melake’nin mobilya tasarımları, bedenlerin mekân içindeki konumlanışını şekillendirerek sosyal etkileşimleri ve psikolojik iyi oluşu doğrudan etkileyebilecek işlevsellik üzerine odaklanır. Kullanıcıların yakınlık, göz teması ve karşılıklı farkındalık gibi etkileşimleri kolaylaştıracak pozisyonlar almasına olanak tanıyan nesneleriyle Melake, dijital çağın fiziksel ve sosyal yabancılaşma krizine yanıt verir, sosyal bağları güçlendirme ve duygusal deneyimleri dönüştürme potansiyeli yaratır 🛋️

New York–based artist Luam Melake investigates the psychological effects of objects through functional furniture design. Her practice brings together material, form, and function to elicit both conscious and unconscious emotional responses in the viewer. The interactions she creates between materials aim to raise awareness, reveal personal approaches, and generate emotional communication. Melake’s furniture designs shape how bodies inhabit space, focusing on functionality that can directly influence social interactions and psychological well-being. By enabling users to adopt positions that encourage proximity, eye contact, and mutual awareness, her objects respond to the physical and social alienation of the digital age, creating the potential to strengthen social bonds and transform emotional experiences 🛋️

New York merkezli sanatçı Luam Melake, işlevsel mobilya tasarımları üzerinden nesnelerin psikolojik etkilerini araştırır. Melake'nin üretimi, malzeme, form ve işlevi bir araya getirerek izleyicide hem bilinçli hem de bilinçdışı duygusal tepkiler uyandırmayı amaçlar. Malzemeler arasında kurduğu etkileşim, izleyicide farkındalık uyandırmaya yöneliktir, kişisel yaklaşımları açığa çıkarır ve duygusal bir iletişim yaratır. Melake’nin mobilya tasarımları, bedenlerin mekân içindeki konumlanışını şekillendirerek sosyal etkileşimleri ve psikolojik iyi oluşu doğrudan etkileyebilecek işlevsellik üzerine odaklanır. Kullanıcıların yakınlık, göz teması ve karşılıklı farkındalık gibi etkileşimleri kolaylaştıracak pozisyonlar almasına olanak tanıyan nesneleriyle Melake, dijital çağın fiziksel ve sosyal yabancılaşma krizine yanıt verir, sosyal bağları güçlendirme ve duygusal deneyimleri dönüştürme potansiyeli yaratır 🛋️

New York–based artist Luam Melake investigates the psychological effects of objects through functional furniture design. Her practice brings together material, form, and function to elicit both conscious and unconscious emotional responses in the viewer. The interactions she creates between materials aim to raise awareness, reveal personal approaches, and generate emotional communication. Melake’s furniture designs shape how bodies inhabit space, focusing on functionality that can directly influence social interactions and psychological well-being. By enabling users to adopt positions that encourage proximity, eye contact, and mutual awareness, her objects respond to the physical and social alienation of the digital age, creating the potential to strengthen social bonds and transform emotional experiences 🛋️

New York merkezli sanatçı Luam Melake, işlevsel mobilya tasarımları üzerinden nesnelerin psikolojik etkilerini araştırır. Melake'nin üretimi, malzeme, form ve işlevi bir araya getirerek izleyicide hem bilinçli hem de bilinçdışı duygusal tepkiler uyandırmayı amaçlar. Malzemeler arasında kurduğu etkileşim, izleyicide farkındalık uyandırmaya yöneliktir, kişisel yaklaşımları açığa çıkarır ve duygusal bir iletişim yaratır. Melake’nin mobilya tasarımları, bedenlerin mekân içindeki konumlanışını şekillendirerek sosyal etkileşimleri ve psikolojik iyi oluşu doğrudan etkileyebilecek işlevsellik üzerine odaklanır. Kullanıcıların yakınlık, göz teması ve karşılıklı farkındalık gibi etkileşimleri kolaylaştıracak pozisyonlar almasına olanak tanıyan nesneleriyle Melake, dijital çağın fiziksel ve sosyal yabancılaşma krizine yanıt verir, sosyal bağları güçlendirme ve duygusal deneyimleri dönüştürme potansiyeli yaratır 🛋️

New York–based artist Luam Melake investigates the psychological effects of objects through functional furniture design. Her practice brings together material, form, and function to elicit both conscious and unconscious emotional responses in the viewer. The interactions she creates between materials aim to raise awareness, reveal personal approaches, and generate emotional communication. Melake’s furniture designs shape how bodies inhabit space, focusing on functionality that can directly influence social interactions and psychological well-being. By enabling users to adopt positions that encourage proximity, eye contact, and mutual awareness, her objects respond to the physical and social alienation of the digital age, creating the potential to strengthen social bonds and transform emotional experiences 🛋️

New York merkezli sanatçı Luam Melake, işlevsel mobilya tasarımları üzerinden nesnelerin psikolojik etkilerini araştırır. Melake'nin üretimi, malzeme, form ve işlevi bir araya getirerek izleyicide hem bilinçli hem de bilinçdışı duygusal tepkiler uyandırmayı amaçlar. Malzemeler arasında kurduğu etkileşim, izleyicide farkındalık uyandırmaya yöneliktir, kişisel yaklaşımları açığa çıkarır ve duygusal bir iletişim yaratır. Melake’nin mobilya tasarımları, bedenlerin mekân içindeki konumlanışını şekillendirerek sosyal etkileşimleri ve psikolojik iyi oluşu doğrudan etkileyebilecek işlevsellik üzerine odaklanır. Kullanıcıların yakınlık, göz teması ve karşılıklı farkındalık gibi etkileşimleri kolaylaştıracak pozisyonlar almasına olanak tanıyan nesneleriyle Melake, dijital çağın fiziksel ve sosyal yabancılaşma krizine yanıt verir, sosyal bağları güçlendirme ve duygusal deneyimleri dönüştürme potansiyeli yaratır 🛋️

New York–based artist Luam Melake investigates the psychological effects of objects through functional furniture design. Her practice brings together material, form, and function to elicit both conscious and unconscious emotional responses in the viewer. The interactions she creates between materials aim to raise awareness, reveal personal approaches, and generate emotional communication. Melake’s furniture designs shape how bodies inhabit space, focusing on functionality that can directly influence social interactions and psychological well-being. By enabling users to adopt positions that encourage proximity, eye contact, and mutual awareness, her objects respond to the physical and social alienation of the digital age, creating the potential to strengthen social bonds and transform emotional experiences 🛋️

New York merkezli sanatçı Luam Melake, işlevsel mobilya tasarımları üzerinden nesnelerin psikolojik etkilerini araştırır. Melake'nin üretimi, malzeme, form ve işlevi bir araya getirerek izleyicide hem bilinçli hem de bilinçdışı duygusal tepkiler uyandırmayı amaçlar. Malzemeler arasında kurduğu etkileşim, izleyicide farkındalık uyandırmaya yöneliktir, kişisel yaklaşımları açığa çıkarır ve duygusal bir iletişim yaratır. Melake’nin mobilya tasarımları, bedenlerin mekân içindeki konumlanışını şekillendirerek sosyal etkileşimleri ve psikolojik iyi oluşu doğrudan etkileyebilecek işlevsellik üzerine odaklanır. Kullanıcıların yakınlık, göz teması ve karşılıklı farkındalık gibi etkileşimleri kolaylaştıracak pozisyonlar almasına olanak tanıyan nesneleriyle Melake, dijital çağın fiziksel ve sosyal yabancılaşma krizine yanıt verir, sosyal bağları güçlendirme ve duygusal deneyimleri dönüştürme potansiyeli yaratır 🛋️

New York–based artist Luam Melake investigates the psychological effects of objects through functional furniture design. Her practice brings together material, form, and function to elicit both conscious and unconscious emotional responses in the viewer. The interactions she creates between materials aim to raise awareness, reveal personal approaches, and generate emotional communication. Melake’s furniture designs shape how bodies inhabit space, focusing on functionality that can directly influence social interactions and psychological well-being. By enabling users to adopt positions that encourage proximity, eye contact, and mutual awareness, her objects respond to the physical and social alienation of the digital age, creating the potential to strengthen social bonds and transform emotional experiences 🛋️

New York merkezli sanatçı Luam Melake, işlevsel mobilya tasarımları üzerinden nesnelerin psikolojik etkilerini araştırır. Melake'nin üretimi, malzeme, form ve işlevi bir araya getirerek izleyicide hem bilinçli hem de bilinçdışı duygusal tepkiler uyandırmayı amaçlar. Malzemeler arasında kurduğu etkileşim, izleyicide farkındalık uyandırmaya yöneliktir, kişisel yaklaşımları açığa çıkarır ve duygusal bir iletişim yaratır. Melake’nin mobilya tasarımları, bedenlerin mekân içindeki konumlanışını şekillendirerek sosyal etkileşimleri ve psikolojik iyi oluşu doğrudan etkileyebilecek işlevsellik üzerine odaklanır. Kullanıcıların yakınlık, göz teması ve karşılıklı farkındalık gibi etkileşimleri kolaylaştıracak pozisyonlar almasına olanak tanıyan nesneleriyle Melake, dijital çağın fiziksel ve sosyal yabancılaşma krizine yanıt verir, sosyal bağları güçlendirme ve duygusal deneyimleri dönüştürme potansiyeli yaratır 🛋️

New York–based artist Luam Melake investigates the psychological effects of objects through functional furniture design. Her practice brings together material, form, and function to elicit both conscious and unconscious emotional responses in the viewer. The interactions she creates between materials aim to raise awareness, reveal personal approaches, and generate emotional communication. Melake’s furniture designs shape how bodies inhabit space, focusing on functionality that can directly influence social interactions and psychological well-being. By enabling users to adopt positions that encourage proximity, eye contact, and mutual awareness, her objects respond to the physical and social alienation of the digital age, creating the potential to strengthen social bonds and transform emotional experiences 🛋️

Amerikalı sanatçı Mary Cassatt, gündelik yaşamdan sahneleri ele aldığı eserlerinde anne-çocuk ilişkisini merkezine koyar. Empresyonizm ile kurduğu yakınlık, üretimini hem biçimsel hem de kavramsal olarak dönüştürür. Cassatt’ın resimlerinde annelik, idealize edilmiş bir temsilden ziyade, gündelik, dokunsal ve içten bir deneyim olarak kendini gösterir. Sanatçı, yumuşak pastel tonlar ve sadeleştirilmiş formlar aracılığıyla mekân ve nesneleri de anlatısının ayrılmaz bir parçası hâline getirir. Anne ve çocuk arasındaki temas ve yakınlık, eserlerinde duygusal yoğunluğu görünür kılar ve izleyiciyi bu yakınlıkla dolu dünyaya davet eder🤱🏻

American artist Mary Cassatt centered the mother-child relationship in her depictions of everyday life. Her engagement with Impressionism shaped her work both formally and conceptually. In her paintings, motherhood is not an idealized notion but a lived, tactile, and intimate experience. Soft pastel tones and simplified forms allow space and objects to became integral parts of the narrative. The gentle touch and closeness between mother and child conveyed a palpable emotional intensity, inviting viewers into a world defined by intimacy and connection 🤱🏻

Amerikalı sanatçı Mary Cassatt, gündelik yaşamdan sahneleri ele aldığı eserlerinde anne-çocuk ilişkisini merkezine koyar. Empresyonizm ile kurduğu yakınlık, üretimini hem biçimsel hem de kavramsal olarak dönüştürür. Cassatt’ın resimlerinde annelik, idealize edilmiş bir temsilden ziyade, gündelik, dokunsal ve içten bir deneyim olarak kendini gösterir. Sanatçı, yumuşak pastel tonlar ve sadeleştirilmiş formlar aracılığıyla mekân ve nesneleri de anlatısının ayrılmaz bir parçası hâline getirir. Anne ve çocuk arasındaki temas ve yakınlık, eserlerinde duygusal yoğunluğu görünür kılar ve izleyiciyi bu yakınlıkla dolu dünyaya davet eder🤱🏻

American artist Mary Cassatt centered the mother-child relationship in her depictions of everyday life. Her engagement with Impressionism shaped her work both formally and conceptually. In her paintings, motherhood is not an idealized notion but a lived, tactile, and intimate experience. Soft pastel tones and simplified forms allow space and objects to became integral parts of the narrative. The gentle touch and closeness between mother and child conveyed a palpable emotional intensity, inviting viewers into a world defined by intimacy and connection 🤱🏻

Amerikalı sanatçı Mary Cassatt, gündelik yaşamdan sahneleri ele aldığı eserlerinde anne-çocuk ilişkisini merkezine koyar. Empresyonizm ile kurduğu yakınlık, üretimini hem biçimsel hem de kavramsal olarak dönüştürür. Cassatt’ın resimlerinde annelik, idealize edilmiş bir temsilden ziyade, gündelik, dokunsal ve içten bir deneyim olarak kendini gösterir. Sanatçı, yumuşak pastel tonlar ve sadeleştirilmiş formlar aracılığıyla mekân ve nesneleri de anlatısının ayrılmaz bir parçası hâline getirir. Anne ve çocuk arasındaki temas ve yakınlık, eserlerinde duygusal yoğunluğu görünür kılar ve izleyiciyi bu yakınlıkla dolu dünyaya davet eder🤱🏻

American artist Mary Cassatt centered the mother-child relationship in her depictions of everyday life. Her engagement with Impressionism shaped her work both formally and conceptually. In her paintings, motherhood is not an idealized notion but a lived, tactile, and intimate experience. Soft pastel tones and simplified forms allow space and objects to became integral parts of the narrative. The gentle touch and closeness between mother and child conveyed a palpable emotional intensity, inviting viewers into a world defined by intimacy and connection 🤱🏻

Amerikalı sanatçı Mary Cassatt, gündelik yaşamdan sahneleri ele aldığı eserlerinde anne-çocuk ilişkisini merkezine koyar. Empresyonizm ile kurduğu yakınlık, üretimini hem biçimsel hem de kavramsal olarak dönüştürür. Cassatt’ın resimlerinde annelik, idealize edilmiş bir temsilden ziyade, gündelik, dokunsal ve içten bir deneyim olarak kendini gösterir. Sanatçı, yumuşak pastel tonlar ve sadeleştirilmiş formlar aracılığıyla mekân ve nesneleri de anlatısının ayrılmaz bir parçası hâline getirir. Anne ve çocuk arasındaki temas ve yakınlık, eserlerinde duygusal yoğunluğu görünür kılar ve izleyiciyi bu yakınlıkla dolu dünyaya davet eder🤱🏻

American artist Mary Cassatt centered the mother-child relationship in her depictions of everyday life. Her engagement with Impressionism shaped her work both formally and conceptually. In her paintings, motherhood is not an idealized notion but a lived, tactile, and intimate experience. Soft pastel tones and simplified forms allow space and objects to became integral parts of the narrative. The gentle touch and closeness between mother and child conveyed a palpable emotional intensity, inviting viewers into a world defined by intimacy and connection 🤱🏻

Amerikalı sanatçı Mary Cassatt, gündelik yaşamdan sahneleri ele aldığı eserlerinde anne-çocuk ilişkisini merkezine koyar. Empresyonizm ile kurduğu yakınlık, üretimini hem biçimsel hem de kavramsal olarak dönüştürür. Cassatt’ın resimlerinde annelik, idealize edilmiş bir temsilden ziyade, gündelik, dokunsal ve içten bir deneyim olarak kendini gösterir. Sanatçı, yumuşak pastel tonlar ve sadeleştirilmiş formlar aracılığıyla mekân ve nesneleri de anlatısının ayrılmaz bir parçası hâline getirir. Anne ve çocuk arasındaki temas ve yakınlık, eserlerinde duygusal yoğunluğu görünür kılar ve izleyiciyi bu yakınlıkla dolu dünyaya davet eder🤱🏻

American artist Mary Cassatt centered the mother-child relationship in her depictions of everyday life. Her engagement with Impressionism shaped her work both formally and conceptually. In her paintings, motherhood is not an idealized notion but a lived, tactile, and intimate experience. Soft pastel tones and simplified forms allow space and objects to became integral parts of the narrative. The gentle touch and closeness between mother and child conveyed a palpable emotional intensity, inviting viewers into a world defined by intimacy and connection 🤱🏻

Amerikalı sanatçı Mary Cassatt, gündelik yaşamdan sahneleri ele aldığı eserlerinde anne-çocuk ilişkisini merkezine koyar. Empresyonizm ile kurduğu yakınlık, üretimini hem biçimsel hem de kavramsal olarak dönüştürür. Cassatt’ın resimlerinde annelik, idealize edilmiş bir temsilden ziyade, gündelik, dokunsal ve içten bir deneyim olarak kendini gösterir. Sanatçı, yumuşak pastel tonlar ve sadeleştirilmiş formlar aracılığıyla mekân ve nesneleri de anlatısının ayrılmaz bir parçası hâline getirir. Anne ve çocuk arasındaki temas ve yakınlık, eserlerinde duygusal yoğunluğu görünür kılar ve izleyiciyi bu yakınlıkla dolu dünyaya davet eder🤱🏻

American artist Mary Cassatt centered the mother-child relationship in her depictions of everyday life. Her engagement with Impressionism shaped her work both formally and conceptually. In her paintings, motherhood is not an idealized notion but a lived, tactile, and intimate experience. Soft pastel tones and simplified forms allow space and objects to became integral parts of the narrative. The gentle touch and closeness between mother and child conveyed a palpable emotional intensity, inviting viewers into a world defined by intimacy and connection 🤱🏻

Berlin merkezli sanatçı Anke Eilergerhard, yoğun pigmentli poliorganosiloksandan (silikon) ürettiği heykellerinde kendine özgü, duyusal bir dil geliştirir. Sanatçının üretimlerinde, kek ve kremşanti motifi merkezde yer alırken Eilergerhard, gündelik bir öğeyi sanatsal bir simgeye dönüştürür. Mizah, yalınlık ve görsel güçle şekillenen işleri; ihtişam ile sadelik, incelik ile sertlik, kırılganlık ile dayanıklılık, kozmos ile kaos, gelenek ile yenilik, yüzey ile derinlik gibi zıtlıkları bir araya getiren bir anlatı inşa eder. Sanatçının “Sunny Yellow Balance” adlı eseri, üst üste dizilmiş kremamsı katmanların oluşturduğu heykelsi bir formdur. Hem tatlı bir pastayı andıran hem de soyut bir mimari forma dönüşen yapısı ve canlı sarı rengiyle dikkat çeken eser, izleyiciyi alışıldık malzemelerin ötesinde düşünmeye davet eder. Eserdeki katmanların tekrarları ise güçlü bir denge hissi yaratarak duyulara hitap eden bir deneyim sunar.

Anke Eilergerhard'ın "Sunny Yellow Balance" adlı eseri "Ferahfeza" sergisi kapsamında OMM'da görülebilir 👁️

Berlin-based artist Anke Eilergerhard develops a unique, sensory language in her sculptures crafted from highly pigmented polyorganosiloxane (silicone). At the heart of her oeuvre is the motif of the cake and the cream topping, which she transforms from an everyday motif into an artistic symbol. With humor, conciseness, and visual power, her works create a narrative that unites seemingly incompatible elements, such as opulence and austerity, delicacy and hardness, fragility and resilience, cosmos and chaos, tradition and innovation, surface and depth. The artist’s work “Sunny Yellow Balance”, is a sculptural form composed of creamy layers. With its surface texture which resembles a sweet cake that simultaneously transitions into an abstract architectural form and its bright yellow hue, the work draws attention and invites viewers to think beyond conventional perspectives. The repetition of layers in the work also creates a strong sense of balance and offers a sensual experience.

Anke Eilergerhard's "Sunny Yellow Balance" work can be seen at OMM as part of "Wide Expanse" exhibition 👁️

İspanya merkezli Güney Kore'li sanatçı Miju Lee, görsel anlatıyı kişisel ve sezgisel bir alana taşırken gündelik hayatın sıradan anlarını şiirsel ve çok katmanlı bir dile dönüştürür. Endüstriyel tasarım kökeninden beslenen üretimi, resim ve illüstrasyonla birleşerek bilinçli kurgudan çok sezgisel bir görsel günlük hissi yaratır. @mijuleee 'nin işleri; rüya ile gerçeklik, sıradanlık ile tuhaflık arasında gidip gelen sahneler aracılığıyla, izleyiciyi açık uçlu anlatıların içine davet eder. Sanatçının imzası hâline gelen figürleri, ifadesiz yüzeylerine rağmen yoğun bir içsel dünyanın taşıyıcısıdır. Hareketsiz, hatta çoğu zaman çömelmiş bu figürler; kırılganlık ile dayanıklılık, sessizlik ile direnç arasındaki ince dengeyi görünür kılar. Aynı zamanda nesneler de onun anlatısında önemli bir yer tutar ve yeni anlam katmanları yaratır. Miju Lee’nin üretimi, anlatılan kadar hissedilenle de ilgilidir, görünenin ötesinde, sessizce biriken duyguların izini sürer🎐

Spain-based South Korean artist Miju Lee brings visual storytelling into a personal and intuitive realm, transforming the ordinary moments of everyday life into a poetic and multilayered language. Drawing on her background in industrial design, her practice combines painting and illustration to create the feel of an intuitive visual diary rather than a consciously constructed narrative. @mijuleee 's works invite viewers into open-ended narratives through scenes that oscillate between dream and reality, the mundane and the uncanny. Her signature figures, though often expressionless, carry a profound inner world. Motionless, and frequently depicted in a crouched posture, these figures reveal the delicate balance between fragility and resilience, silence and endurance. Objects also play a significant role in her narratives, adding new layers of meaning. Miju Lee’s practice concerns not only what is depicted but also what is felt, tracing the emotions that quietly accumulate beyond the visible🎐

İspanya merkezli Güney Kore'li sanatçı Miju Lee, görsel anlatıyı kişisel ve sezgisel bir alana taşırken gündelik hayatın sıradan anlarını şiirsel ve çok katmanlı bir dile dönüştürür. Endüstriyel tasarım kökeninden beslenen üretimi, resim ve illüstrasyonla birleşerek bilinçli kurgudan çok sezgisel bir görsel günlük hissi yaratır. @mijuleee 'nin işleri; rüya ile gerçeklik, sıradanlık ile tuhaflık arasında gidip gelen sahneler aracılığıyla, izleyiciyi açık uçlu anlatıların içine davet eder. Sanatçının imzası hâline gelen figürleri, ifadesiz yüzeylerine rağmen yoğun bir içsel dünyanın taşıyıcısıdır. Hareketsiz, hatta çoğu zaman çömelmiş bu figürler; kırılganlık ile dayanıklılık, sessizlik ile direnç arasındaki ince dengeyi görünür kılar. Aynı zamanda nesneler de onun anlatısında önemli bir yer tutar ve yeni anlam katmanları yaratır. Miju Lee’nin üretimi, anlatılan kadar hissedilenle de ilgilidir, görünenin ötesinde, sessizce biriken duyguların izini sürer🎐

Spain-based South Korean artist Miju Lee brings visual storytelling into a personal and intuitive realm, transforming the ordinary moments of everyday life into a poetic and multilayered language. Drawing on her background in industrial design, her practice combines painting and illustration to create the feel of an intuitive visual diary rather than a consciously constructed narrative. @mijuleee 's works invite viewers into open-ended narratives through scenes that oscillate between dream and reality, the mundane and the uncanny. Her signature figures, though often expressionless, carry a profound inner world. Motionless, and frequently depicted in a crouched posture, these figures reveal the delicate balance between fragility and resilience, silence and endurance. Objects also play a significant role in her narratives, adding new layers of meaning. Miju Lee’s practice concerns not only what is depicted but also what is felt, tracing the emotions that quietly accumulate beyond the visible🎐

İspanya merkezli Güney Kore'li sanatçı Miju Lee, görsel anlatıyı kişisel ve sezgisel bir alana taşırken gündelik hayatın sıradan anlarını şiirsel ve çok katmanlı bir dile dönüştürür. Endüstriyel tasarım kökeninden beslenen üretimi, resim ve illüstrasyonla birleşerek bilinçli kurgudan çok sezgisel bir görsel günlük hissi yaratır. @mijuleee 'nin işleri; rüya ile gerçeklik, sıradanlık ile tuhaflık arasında gidip gelen sahneler aracılığıyla, izleyiciyi açık uçlu anlatıların içine davet eder. Sanatçının imzası hâline gelen figürleri, ifadesiz yüzeylerine rağmen yoğun bir içsel dünyanın taşıyıcısıdır. Hareketsiz, hatta çoğu zaman çömelmiş bu figürler; kırılganlık ile dayanıklılık, sessizlik ile direnç arasındaki ince dengeyi görünür kılar. Aynı zamanda nesneler de onun anlatısında önemli bir yer tutar ve yeni anlam katmanları yaratır. Miju Lee’nin üretimi, anlatılan kadar hissedilenle de ilgilidir, görünenin ötesinde, sessizce biriken duyguların izini sürer🎐

Spain-based South Korean artist Miju Lee brings visual storytelling into a personal and intuitive realm, transforming the ordinary moments of everyday life into a poetic and multilayered language. Drawing on her background in industrial design, her practice combines painting and illustration to create the feel of an intuitive visual diary rather than a consciously constructed narrative. @mijuleee 's works invite viewers into open-ended narratives through scenes that oscillate between dream and reality, the mundane and the uncanny. Her signature figures, though often expressionless, carry a profound inner world. Motionless, and frequently depicted in a crouched posture, these figures reveal the delicate balance between fragility and resilience, silence and endurance. Objects also play a significant role in her narratives, adding new layers of meaning. Miju Lee’s practice concerns not only what is depicted but also what is felt, tracing the emotions that quietly accumulate beyond the visible🎐

İspanya merkezli Güney Kore'li sanatçı Miju Lee, görsel anlatıyı kişisel ve sezgisel bir alana taşırken gündelik hayatın sıradan anlarını şiirsel ve çok katmanlı bir dile dönüştürür. Endüstriyel tasarım kökeninden beslenen üretimi, resim ve illüstrasyonla birleşerek bilinçli kurgudan çok sezgisel bir görsel günlük hissi yaratır. @mijuleee 'nin işleri; rüya ile gerçeklik, sıradanlık ile tuhaflık arasında gidip gelen sahneler aracılığıyla, izleyiciyi açık uçlu anlatıların içine davet eder. Sanatçının imzası hâline gelen figürleri, ifadesiz yüzeylerine rağmen yoğun bir içsel dünyanın taşıyıcısıdır. Hareketsiz, hatta çoğu zaman çömelmiş bu figürler; kırılganlık ile dayanıklılık, sessizlik ile direnç arasındaki ince dengeyi görünür kılar. Aynı zamanda nesneler de onun anlatısında önemli bir yer tutar ve yeni anlam katmanları yaratır. Miju Lee’nin üretimi, anlatılan kadar hissedilenle de ilgilidir, görünenin ötesinde, sessizce biriken duyguların izini sürer🎐

Spain-based South Korean artist Miju Lee brings visual storytelling into a personal and intuitive realm, transforming the ordinary moments of everyday life into a poetic and multilayered language. Drawing on her background in industrial design, her practice combines painting and illustration to create the feel of an intuitive visual diary rather than a consciously constructed narrative. @mijuleee 's works invite viewers into open-ended narratives through scenes that oscillate between dream and reality, the mundane and the uncanny. Her signature figures, though often expressionless, carry a profound inner world. Motionless, and frequently depicted in a crouched posture, these figures reveal the delicate balance between fragility and resilience, silence and endurance. Objects also play a significant role in her narratives, adding new layers of meaning. Miju Lee’s practice concerns not only what is depicted but also what is felt, tracing the emotions that quietly accumulate beyond the visible🎐

İspanya merkezli Güney Kore'li sanatçı Miju Lee, görsel anlatıyı kişisel ve sezgisel bir alana taşırken gündelik hayatın sıradan anlarını şiirsel ve çok katmanlı bir dile dönüştürür. Endüstriyel tasarım kökeninden beslenen üretimi, resim ve illüstrasyonla birleşerek bilinçli kurgudan çok sezgisel bir görsel günlük hissi yaratır. @mijuleee 'nin işleri; rüya ile gerçeklik, sıradanlık ile tuhaflık arasında gidip gelen sahneler aracılığıyla, izleyiciyi açık uçlu anlatıların içine davet eder. Sanatçının imzası hâline gelen figürleri, ifadesiz yüzeylerine rağmen yoğun bir içsel dünyanın taşıyıcısıdır. Hareketsiz, hatta çoğu zaman çömelmiş bu figürler; kırılganlık ile dayanıklılık, sessizlik ile direnç arasındaki ince dengeyi görünür kılar. Aynı zamanda nesneler de onun anlatısında önemli bir yer tutar ve yeni anlam katmanları yaratır. Miju Lee’nin üretimi, anlatılan kadar hissedilenle de ilgilidir, görünenin ötesinde, sessizce biriken duyguların izini sürer🎐

Spain-based South Korean artist Miju Lee brings visual storytelling into a personal and intuitive realm, transforming the ordinary moments of everyday life into a poetic and multilayered language. Drawing on her background in industrial design, her practice combines painting and illustration to create the feel of an intuitive visual diary rather than a consciously constructed narrative. @mijuleee 's works invite viewers into open-ended narratives through scenes that oscillate between dream and reality, the mundane and the uncanny. Her signature figures, though often expressionless, carry a profound inner world. Motionless, and frequently depicted in a crouched posture, these figures reveal the delicate balance between fragility and resilience, silence and endurance. Objects also play a significant role in her narratives, adding new layers of meaning. Miju Lee’s practice concerns not only what is depicted but also what is felt, tracing the emotions that quietly accumulate beyond the visible🎐

Resmin biçimsel ve duygusal olanaklarını doğa üzerinden yeniden düşünen Lynne Drexler, peyzajı yalnızca bir konu olarak değil, renk ve ritim aracılığıyla dönüştürdüğü bir deneyim alanı olarak ele alır. Drexler’ın eserleri, doğayı temsil etmekten çok onu hissetmenin ve yeniden kurmanın bir yolu gibidir. Renk kuramı ve kompozisyon anlayışıyla şekillenen üretimi, soyut dışavurumculuk ile post-empresyonizm arasında konumlanır. Drexler, bu iki yaklaşımı bir araya getirerek figüratif ile soyut, gözlem ile hafıza arasındaki sınırları araştırır. Doğrudan gözleme bağlı kalmak yerine, çoğunlukla doğanın zihinde bıraktığı izlerden yola çıkar; her bir resmi, katmanlı yüzeyler ve tekrar eden renk birimleriyle yeniden inşa eder. Bu yaklaşım, yalnızca estetik bir tercih değil, aynı zamanda görmenin ve hatırlamanın nasıl işlediğine dair bir sorgulamadır 👁️

Rethinking the formal and emotional possibilities of painting through nature, Lynne Drexler approached the landscape not merely as a subject but as a field of experience transformed through color and rhythm. Her works moved beyond representation, becoming ways of feeling and reconstructing nature. Shaped by her understanding of color theory and composition, her practice occupied a space between Abstract Expressionism and Post-Impressionism. By bringing these two approaches together, Drexler explored the boundaries between figurative and abstract, observation and memory. Rather than adhering strictly to direct observation, she often worked from the impressions nature left in the mind, reconstructing each painting through layered surfaces and repeating units of color. This approach was not only an aesthetic choice but also a reflection on how seeing and remembering operate 👁️

Resmin biçimsel ve duygusal olanaklarını doğa üzerinden yeniden düşünen Lynne Drexler, peyzajı yalnızca bir konu olarak değil, renk ve ritim aracılığıyla dönüştürdüğü bir deneyim alanı olarak ele alır. Drexler’ın eserleri, doğayı temsil etmekten çok onu hissetmenin ve yeniden kurmanın bir yolu gibidir. Renk kuramı ve kompozisyon anlayışıyla şekillenen üretimi, soyut dışavurumculuk ile post-empresyonizm arasında konumlanır. Drexler, bu iki yaklaşımı bir araya getirerek figüratif ile soyut, gözlem ile hafıza arasındaki sınırları araştırır. Doğrudan gözleme bağlı kalmak yerine, çoğunlukla doğanın zihinde bıraktığı izlerden yola çıkar; her bir resmi, katmanlı yüzeyler ve tekrar eden renk birimleriyle yeniden inşa eder. Bu yaklaşım, yalnızca estetik bir tercih değil, aynı zamanda görmenin ve hatırlamanın nasıl işlediğine dair bir sorgulamadır 👁️

Rethinking the formal and emotional possibilities of painting through nature, Lynne Drexler approached the landscape not merely as a subject but as a field of experience transformed through color and rhythm. Her works moved beyond representation, becoming ways of feeling and reconstructing nature. Shaped by her understanding of color theory and composition, her practice occupied a space between Abstract Expressionism and Post-Impressionism. By bringing these two approaches together, Drexler explored the boundaries between figurative and abstract, observation and memory. Rather than adhering strictly to direct observation, she often worked from the impressions nature left in the mind, reconstructing each painting through layered surfaces and repeating units of color. This approach was not only an aesthetic choice but also a reflection on how seeing and remembering operate 👁️

Resmin biçimsel ve duygusal olanaklarını doğa üzerinden yeniden düşünen Lynne Drexler, peyzajı yalnızca bir konu olarak değil, renk ve ritim aracılığıyla dönüştürdüğü bir deneyim alanı olarak ele alır. Drexler’ın eserleri, doğayı temsil etmekten çok onu hissetmenin ve yeniden kurmanın bir yolu gibidir. Renk kuramı ve kompozisyon anlayışıyla şekillenen üretimi, soyut dışavurumculuk ile post-empresyonizm arasında konumlanır. Drexler, bu iki yaklaşımı bir araya getirerek figüratif ile soyut, gözlem ile hafıza arasındaki sınırları araştırır. Doğrudan gözleme bağlı kalmak yerine, çoğunlukla doğanın zihinde bıraktığı izlerden yola çıkar; her bir resmi, katmanlı yüzeyler ve tekrar eden renk birimleriyle yeniden inşa eder. Bu yaklaşım, yalnızca estetik bir tercih değil, aynı zamanda görmenin ve hatırlamanın nasıl işlediğine dair bir sorgulamadır 👁️

Rethinking the formal and emotional possibilities of painting through nature, Lynne Drexler approached the landscape not merely as a subject but as a field of experience transformed through color and rhythm. Her works moved beyond representation, becoming ways of feeling and reconstructing nature. Shaped by her understanding of color theory and composition, her practice occupied a space between Abstract Expressionism and Post-Impressionism. By bringing these two approaches together, Drexler explored the boundaries between figurative and abstract, observation and memory. Rather than adhering strictly to direct observation, she often worked from the impressions nature left in the mind, reconstructing each painting through layered surfaces and repeating units of color. This approach was not only an aesthetic choice but also a reflection on how seeing and remembering operate 👁️

Resmin biçimsel ve duygusal olanaklarını doğa üzerinden yeniden düşünen Lynne Drexler, peyzajı yalnızca bir konu olarak değil, renk ve ritim aracılığıyla dönüştürdüğü bir deneyim alanı olarak ele alır. Drexler’ın eserleri, doğayı temsil etmekten çok onu hissetmenin ve yeniden kurmanın bir yolu gibidir. Renk kuramı ve kompozisyon anlayışıyla şekillenen üretimi, soyut dışavurumculuk ile post-empresyonizm arasında konumlanır. Drexler, bu iki yaklaşımı bir araya getirerek figüratif ile soyut, gözlem ile hafıza arasındaki sınırları araştırır. Doğrudan gözleme bağlı kalmak yerine, çoğunlukla doğanın zihinde bıraktığı izlerden yola çıkar; her bir resmi, katmanlı yüzeyler ve tekrar eden renk birimleriyle yeniden inşa eder. Bu yaklaşım, yalnızca estetik bir tercih değil, aynı zamanda görmenin ve hatırlamanın nasıl işlediğine dair bir sorgulamadır 👁️

Rethinking the formal and emotional possibilities of painting through nature, Lynne Drexler approached the landscape not merely as a subject but as a field of experience transformed through color and rhythm. Her works moved beyond representation, becoming ways of feeling and reconstructing nature. Shaped by her understanding of color theory and composition, her practice occupied a space between Abstract Expressionism and Post-Impressionism. By bringing these two approaches together, Drexler explored the boundaries between figurative and abstract, observation and memory. Rather than adhering strictly to direct observation, she often worked from the impressions nature left in the mind, reconstructing each painting through layered surfaces and repeating units of color. This approach was not only an aesthetic choice but also a reflection on how seeing and remembering operate 👁️

Resmin biçimsel ve duygusal olanaklarını doğa üzerinden yeniden düşünen Lynne Drexler, peyzajı yalnızca bir konu olarak değil, renk ve ritim aracılığıyla dönüştürdüğü bir deneyim alanı olarak ele alır. Drexler’ın eserleri, doğayı temsil etmekten çok onu hissetmenin ve yeniden kurmanın bir yolu gibidir. Renk kuramı ve kompozisyon anlayışıyla şekillenen üretimi, soyut dışavurumculuk ile post-empresyonizm arasında konumlanır. Drexler, bu iki yaklaşımı bir araya getirerek figüratif ile soyut, gözlem ile hafıza arasındaki sınırları araştırır. Doğrudan gözleme bağlı kalmak yerine, çoğunlukla doğanın zihinde bıraktığı izlerden yola çıkar; her bir resmi, katmanlı yüzeyler ve tekrar eden renk birimleriyle yeniden inşa eder. Bu yaklaşım, yalnızca estetik bir tercih değil, aynı zamanda görmenin ve hatırlamanın nasıl işlediğine dair bir sorgulamadır 👁️

Rethinking the formal and emotional possibilities of painting through nature, Lynne Drexler approached the landscape not merely as a subject but as a field of experience transformed through color and rhythm. Her works moved beyond representation, becoming ways of feeling and reconstructing nature. Shaped by her understanding of color theory and composition, her practice occupied a space between Abstract Expressionism and Post-Impressionism. By bringing these two approaches together, Drexler explored the boundaries between figurative and abstract, observation and memory. Rather than adhering strictly to direct observation, she often worked from the impressions nature left in the mind, reconstructing each painting through layered surfaces and repeating units of color. This approach was not only an aesthetic choice but also a reflection on how seeing and remembering operate 👁️